Papel, cuerpo de deseo

Ángel Peris acaba de regresar de Hangzhou. aparece cargado con dos grandes maletas, pero parece como si viniera de cualquier otro sitio no tan lejano, como si llegara de su Valencia de origen. nos enseña las obras elegidas para la exposición. las extrae de unas cajitas que trae en el equipaje y las va extendiendo con sumo cuidado sobre una mesa. de su mochila saca varios frascos con pigmentos naturales. es un trabajo delicado, refinado, conciso, sutil. los guantes con que manipula los papeles forman parte más de una liturgia que de una necesidad. el efecto nos sorprende con cada obra como si se tratase de una serie de cuadros teatrales que aparecen ante nuestra mirada durante un estreno. _siempre que los artistas nos muestran sus obras antes de cada exposición ocurre algo parecido pero en esta ocasión parece algo singular, como si los papeles conservasen la temperatura del aire frío por donde han venido volando, como si ese aire que desprenden la cajitas al abrirse fuera el mismo que el de su entorno de trabajo en algún lugar de China…_ el papel es un material cálido, cercano, casi humano por su afinidad a nosotros. ofrece muchas posibilidades plásticas y siempre nos resulta tan asequible y accesible que no somos conscientes de todas sus posibilidades. es en este caso donde Ángel indaga más, en el aspecto casi visceral, cortando, manchando, pinchando, abriendo sus capas. allí se adentra mediante un acercamiento físico y encuentra su verdadera naturaleza y razón y al mismo tiempo le imprime un carácter propio en cada obra. su investigación llega donde llega su pincel, su pluma, su aguja,… el aspecto conseguido es semejante al que la propia naturaleza, con el tiempo, imprime en las superficies. lo erosiona, lo mancha, lo pule. en este caso la intervención es tan minuciosa que la aguja con que taladra la superficie o el hilo que la penetra o la tinta que la inunda parecieran procesos temporales de acción de los elementos. de todo ello resulta una obra donde las horas de trabajo le confieren un carácter más que admirable. incluso desarrolla un alfabeto propio que escribe sobre las obras. la experimentación sobre la superficie del papel se hace belleza. papeles de diferentes formatos y procedencia (chinos, turcos, españoles, etc) intervenidos con pincel y tinta, cosidos, agujereados, raspados, todo ello en una exposición que esperamos sorprenda.
Braulio R. espacioBRUT

__Ángel Peris, Valencia. 1993. Es graduado por la Universidad Politécnica de Valencia. Su último año fue en CAFA (中央美术学院). Beijing. Actualmente reside en Hangzhou, donde forma parte de una beca del Gobierno Chino para realizar un Máster en (CAA) China Academy of Art (中国美术学院).

La bicicleta

Al intento de sintetizar, si es que esto tiene algún valor para los demás, el trabajo de Sergio Femar, me quedaría en un reflejo del deseo de libertad y de un cauto optimismo que su juventud reclama. eso no implica que la obra no haya alcanzado su madurez antes de entrar en la treintena. faltaría más. Sergio Femar produce de manera rápida pero razonada, encerrado en su taller pequeño del centro de la ciudad. allí compone una serie de escapismos hacia esa salida al océano que evoca continuamente. inconformista, no obstante, existe en este artista un germen de sofisticada consecuencia: la asimetría como punto de partida para lograr el equilibrio, el inquieto movimiento de los planos que acaba en un poso sereno, como aquel que el mar devuelve en la playa tras la tormenta. en el fondo, una y otra vez, subyace el trasunto que esta bicicleta evoca, como aquel sabor de un trocito de magdalena mojada en té… esta es la segunda exposición que presentamos de Sergio Femar y el cambio percibido ha sido fluido y natural; la evolución, inconscientemente perseguida. sin querer se ha hecho “mayor”. el recorrido es el del artista que extrae lo posible y lo necesario de cada pieza, sin más. el ejercicio extractivo es más acusado en sus trozos de madera, y más novedoso, en sus papeles, piezas de tejido y bocetos previos que también se muestran. _la exposición se compone de varias obras pintadas con óleo, spray y acrílico sobre lienzo unas, otras sobre madera, otras con tela cosida; varios papeles y varios pedazos de madera intervenidos, característicos de su obra._ nosotros continuamos estableciendo un diálogo entre arte y diseño que proporcione la sensación de realidad y la convivencia con el interiorismo y el espacio. como siempre, estaremos abiertos a todos los que necesitan de una mirada diferente, reflexiva, alejada de tendencias y abierta a la belleza. Os esperamos.
Braulio R. espacioBRUT

__Sergio Femar, O Porriño, Pontevedra. 1990 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialización de pintura con méritos. Promoción 2008 / 2013. En su corta trayectoria ha participado en diversas esposiciones y certámenes.

Tras la ventana

Tras la ventana es un producto reflexivo, parte del camino que le lleva paralelo a la línea del horizonte y del que, repentinamente, se baja en marcha para marcar con líneas su propia reflexión. así titula Vicent Carda este proyecto, que presenta en espacioBRUT para abrir esta nueva temporada. continuación de El silenci de l’horitzó, su anterior exposición, lo aborda en esta ocasión interponiendo un filtro, el vidrio, que vela los pensamientos, que hace difícil discernir lo que se ve de lo que se piensa al mirar por la ventana. este es, materialmente, el papel vegetal, que hace las veces de cristal y tamiza el horizonte como hace el propio pensamiento, como elemento subjetivo que suscita nuestro propio entendimiento. se ven campos infinitos, que muestran una visión imperfecta y sutil de lo aprendido, de lo andado, de lo vivido o de lo soñado. todo está inscrito en la línea, en una costura en el horizonte de la propia memoria. nuestra percepción evoca en cierto modo a Hernández Pijuan y su territorio acotado con lineas y roturaciones; también se va necesariamente hacia la música, al pentagrama, la melodía, la armonía como claves en un paisajismo no tan lejano. todo encaja en una reflexión más hacia la abstracción de la ausencia y la presencia, hacia los campos llanos, hacia el mar. camino de esta insinuación de la nada, mediante una progresiva reducción, las líneas aquí parecen sucederse cada vez en menor cantidad intuyendo sin embargo que no se pierde el significado, al contrario. ahora se separan pero a la vez unen el espacio del papel que hay entre ellas como un gran paréntesis en blanco, repleto de melancolía, de quietud y repleto de luz, que nos sorprenderá. como M. Rothko señala: el tema de la pintura es la pintura misma; el arte como escapismo y como necesidad. no le pedimos más, ni menos. en Tras la ventana veremos más de una docena de obras, acrílico y gouache sobre papel canson y papel vegetal. continuamos estableciendo un diálogo entre arte y diseño que proporcione la sensación de realidad y la convivencia con el interiorismo y el espacio. como siempre, estaremos abiertos a todos los que necesitan de una mirada diferente, reflexiva, alejada de tendencias y abierta a la belleza. Os esperamos.
Braulio R. espacioBRUT

__Vicent Carda. Burriana, Castellón, 1962. Vive y trabaja en Valencia. Estudió en la Facultat de Belles Arts de Sant Carles, de Valencia, ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en España, Francia, Holanda.

milseiscientosochentaycuatro

Mar Cubero, Madrid, 1990, cierra temporada en espacioBRUT con esta muestra, espléndida tanto por su esmerada dedicación, como por el refinado uso de la madera. construcciones sencillas, mosaicos y sucesiones de materia viva que desarrollan secuencias casi infinitas, de lectura en conjunto, mediante un lenguaje exquisito y armónico. tallas y piezas cortadas y posteriormente manipuladas, aportando cada una notas diferentes. la repetición no se agota en sí misma como recurso expresivo sino que deviene secuencias posteriores mediante el uso de piezas, con entidad propia, originales y únicas, que este material proporciona. elementos sustituibles e intercambiables a la vista que no desdibujan el conjunto ni su intención. las partes y el todo en contínua tensión, el conjunto de piezas conforma un discurso sin pretensiones y sin trampas. el juego de las tonalidades de cada tablilla, de cada sección de la madera, proporciona relieves de gran belleza. es una construcción dotada de evidentes marcas de elaboración grabadas por el uso de las herramientas y de las manos de su autora. tablillas, chapas y secciones de jatoba, sapei, mongoy, pino, wengué, en diversos formatos y composiciones cuelgan de las paredes del espacio que compartimos nuevamente para acercar al público la obra de profesionales independientes y arriesgados. Mar Cubero es la cuarta artista del Estudio Mendoza, de Madrid, que participa en nuestro espacio, dentro de una experiencia gratificante para nosotros y quizá un reto proyectual para ellos.
Braulio R. espacioBRUT

__Mar Cubero. Madrid 1990. Vive y trabaja en Madrid. Es licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense. Ha realizado diversas residencias y exposiciones tanto individuales como colectivas en Madrid, Barcelona, Lérida, etc.

Tokyo holes

el último trabajo de Sergio D. Loeda es fruto de una producción meditada, el resultado de una investigación acerca del comportamiento de determinados materiales, cuyo fin estético y discursivo no es precisamente etnocéntrico, ni desde un ángulo de vista occidental, ni desde ningún otro punto de vista territorial. es, por ello, generoso y creemos que independiente de corrientes que a veces asolan y condicionan nuestra percepción antes de su comprobación en la galería. en palabras del autor, su trabajo se basa, en parte, en la experimentación, en parte, en el error para conseguir, de esa ecuación, una nueva vía. en este caso, experimenta con materiales de procedencia oriental como son los papeles japoneses, las tintas china e india, etc busca la belleza de lo casual e imperfecto pero controlado en este caso mediante la respuesta aleatoria en cada proceso, de los recursos y de su comportamiento físico, unos con otros. el resultado es el no resultado de la ingerencia de los materiales que, bajo su mirada y su control, a veces toman caminos que redescubren acabados casi serendípicos y enriquecedores. esa aleatoriedad es fundamental pero también lo es la consciente y reflexiva búsqueda del artista, su investigación y su contemplación del proceso cigarrillo en mano. es una interpretación de lo desmedido e insólito de una mezcla de culturas a las que no pertenece él, ni nosotros. Segio D. Loeda es el tercer artista del Estudio Mendoza, de Madrid, que participa en nuestro espacio, dentro de una experiencia gratificante para nosotros y quizá un reto proyectual para ellos. se podrán ver en espacioBRUT diversos papeles, transferencias y un gran lienzo que encajan perfectamente en la articulación del discurso.
Braulio R. espacioBRUT

__Sergio D. Loeda. Madrid 1988. Vive y trabaja en Madrid Realiza su trabajo en Estudio Mendoza. Ha participado en diversos certámenes y exposiciones individuales y colectivas.

maquetas

la generación de espacios y recorridos visuales relacionando el lenguaje del objeto per se con el espacio que ocupa, es tarea fundamental en la obra de esta artista y del proyecto expositivo que muestra. el uso de objetos definidos y prefabricados como límite al espacio más el lenguaje que delimita su propia arquitectura, aquella en la que el individuo cree percibir la idea consustancial de su espacio relativo, constituye un argumento sólido. si tuviéramos que definir nuestra percepción acerca de su obra, personalmente la rescataríamos de la nuestra propia. es la que quisiéramos interpretar a la hora de pensar en volúmenes, espacios, de diseñar muebles… por ello nos atrajo su trabajo. el tema gira entre un sutil juego de elementos, de planos que descansan sobre un todo armónico. los troqueles cumplen una función descriptiva sin necesidad de más apoyo que el de su enmarcación austera. las telas arropan las estructuras simples de DM y las dotan de significado dentro de su propia arquitectura, a cualquier escala física… son “telones” que anticipan las formas que cubren sin dejar verlas: ese es el paradigma. la exposición la componen por un lado las piezas escultóricas, maquetas que dan sentido al título, y por otro, las piezas de cartón, enmarcadas, claves en la lectura final del proyecto. una reflexión donde, consideraciones de tipo conceptual aparte, la belleza es la consecuencia final y con ello nos sobra. Ana de Fontecha es la segunda artista del Estudio Mendoza, de Madrid, que participa en nuestro espacio y que se anticipa a otros dos artistas del mismo estudio, que también presentaremos hasta finalizar la temporada dentro de una experiencia gratificante para nosotros y quizá un reto proyectual para ellos.
Braulio R. espacioBRUT

__Ana de Fontecha. Madrid, 1990. Estudió Bellas Artes en Université Paris-8 Vincennes Saint-Denis y en la Universidad Complutense de Madrid. HA participado en diversas exposiciones colectivas y actualmente es miembro del Estudio Mendoza de Madrid.

Emptiness

explicar un concepto como el que representa el vacío es una labor que, fuera de razonamientos filosóficos y metafísicos como los expresados por Leibniz, por ejemplo, puede contarse, en este caso, tal vez bajo un prisma gráfico y cercano de la creación artística y es en este plano en el que se mueve el argumento de nuestra siguiente exposición. pero tampoco eso es asunto del artista, ni falta. el vacío que produce un cambio, la falta de recursos, la soledad, el miedo, … la ausencia pintada de dorado, evocadora a veces, intimista en nuestro referente individual. eso es lo que nos importa, lejos de otras disquisiciones y ese es el concepto expresado en la serie que presentamos. figuras planas que representan ámbitos reales, tridimensionales, de nuestra percepción, cercanos y tangibles. Antonio Ortuño, Elche, 1970, es un polifacético creador: videoartista, pintor, comisario. en su experiencia actual trabaja sobre el mundo de las emociones, desdramatizándolas mediante giros expresivos que salen a la luz tanto en sus performances de cara al público como en la reflexión íntima y solitaria de la producción en el estudio. cada papel es diferente y original. representa quizá una falta de espacio distinto, cada uno con su propio discurso. una serie meditada donde cada obra es un mensaje de faltas, de frustración. pero al final, según su intención, siempre hay una salida que trata de redimirnos. elabora espacios en masa “de oro”, pero llenos de arquitectura y de esperanza. aparte de las piezas en papel con acrílico dorado, presentamos una video performance donde el protagonista, Antonio, ejecuta una actuación mediante la escenificación de una comida en solitario, en nuestro espacio, con una edición de platos pintados por él mismo, que forman también parte de la instalación. ya son prácticamente medio centenar de exposiciones en espacioBRUT GALLERY con las que tratamos de divulgar el arte contemporáneo dentro de una escena cercana al público en la que se incluyen nuestras piezas de mobiliario, estableciendo un diálogo entre arte y diseño que proporcione la sensación de realidad o convivencia con el interiorismo y el espacio. como siempre, nuestro espacio estará abierto a todos los que necesitan de una mirada diferente, reflexiva, alejada de tendencias y abierta a la belleza.
Braulio R. espacioBRUT

__Antonio Ortuño (Elche, 1970) vive y trabaja en Nueva York, donde desarrolla sus proyectos, centrados en la videoinstalación, la performance, objetos, papel, etc. sus obras han sido expuestas en Estados Unidos y diversas ciudades como Madrid, Barcelona, Valencia, Zaragoza, Santiago de Chile, Seúl, Milán, Roma etc.

Microarquitecturas

la obra de Nacho Carbó, Castellón, 1975, se desenvuelve entre la técnica compositiva y la necesidad de la arquitectura. la relación necesaria entre arte y técnica, entre pensamiento y placer… la fusión entre finalidad práctica y obra plástica se suscita atravesando la difusa frontera entre necesidad física y espiritual. es la belleza formal de los volúmenes, que generan sombras y espacios sin una utilidad buscada y con un lenguaje exquisito y límpido. las piezas se sitúan colgadas de las paredes y sin embargo sobresalen de su ámbito para generar atmósferas propias cada una. aquellas arquitecturas utópicas de las que extrae quizá inconscientemente sus vacíos interiores son una primera referencia, pero el discurso trasciende. no vemos en ellos tan solo maquetas, sino edificios reales en los que el factor de la escala, lejos de vaciarlos de contenido, los agranda con todo un universo intimista y espacialmente inabarcable. uno parece querer entrar y lo consigue. y eso, en definitiva, es arquitectura. las microarquitecturas de Nacho Carbó están hechas para el disfrute de la vista, del tacto y son de un refinamiento semejante al que percibimos en el arte africano, a menudo poco comprensible pero sin embargo tan cercano a nuestro origen y a nuestra materia. la muestra que podremos ver en espacioBRUT se compone de varias obras generadas por medios tanto manuales como digitales en su taller de Valencia y pertenecen al proyecto myarchitect en el que el artista lleva trabajando más de tres años. tratamos de divulgar el arte contemporáneo dentro de una escena cercana al público en la que se incluyen nuestras piezas de mobiliario, estableciendo un diálogo entre arte y diseño que proporcione la sensación de realidad o convivencia con el interiorismo y el espacio. como siempre, nuestro espacio estará abierto a todos los que necesitan de una mirada diferente, reflexiva, alejada de tendencias y abierta a la belleza.
Braulio R. espacioBRUT

__Ignacio Carbó (Castellón, 1975) es arquitecto (titulado con la doble especialidad de Edificación y Urbanismo, por la ETSAV y la Ecole d´Architecture de Paris La Villette), y doctor por la UPV con un trabajo de investigación acerca de los escenarios urbanos entre el arte y la arquitectura de finales del siglo XX.

The spaces we leave behind

espacioBRUT comienza nueva temporada. con casi 50 exposiciones a nuestras espaldas y con nuevos proyectos. queremos que sea un año rico en colaboración con artistas interesantes e independientes cuyas obras conviven con nuestro trabajo en un mismo espacio. desde que colaboramos con Toni Ferrer, hemos apreciado en su obra una evolución natural y positivista a partir de la forma, el espacio, y ahora el movimiento que genera la refulgencia periférica del color aplicado desde la sombra. los planos ahora se superponen y abaten en tres dimensiones en sus ejes cartesianos y la escultura resultante aparece rica en matices de color sobre un fondo blanco. sin ánimo de definir ni comparar a Ferrer con su probable influencia de las corrientes y vanguardias de principio de siglo, sabemos ahora que es una obra más reflexiva y a la vez más refinada, una pequeña arquitectura envuelta en blanco puro. los volúmenes avanzan un poco más, se hacen más imprescindibles dentro de una estructura que ya no es tan aleatoria, en función del uso del color, sino que se complementa y encaja perfectamente. la muestra se compone de varias obras elaboradas en madera, colgadas y de otras apoyadas sobre los muebles que nosotros producimos, conviviendo como en un juego a dos. tratamos de divulgar el arte contemporáneo dentro de una escena cercana al público en la que se incluyen nuestras piezas de mobiliario, estableciendo un diálogo entre arte y diseño que proporcione la sensación de realidad o convivencia con el interiorismo y el espacio. como siempre, nuestro espacio estará abierto a todos los que necesitan de una mirada diferente, reflexiva, alejada de tendencias y abierta a la belleza.
Braulio R. espacioBRUT

__Toni Ferrer, Barcelona. 1980 licenciado en Administración de empresas y diplomado en Ciencias Empresariales, UIB de Baleares. actualmente reside y trabaja en Madrid, ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades españolas y en Nueva Zelanda.

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espacioBRUT, en colaboración con Addaya Centre d’Art Contemporani de Mallorca, presenta un proyecto de Adrián Martínez, Ibiza, 1984. en esta ocasión nos toca hablar de un artista que, por poco conocido, al menos para nosotros, ya que vive y trabaja en Amberes, no dejará de provocar interrogantes acerca del sentido del lenguaje en su aspecto más cercano al ser humano. un cuerpo holístico compuesto de signos, imágenes y gestos, donde cada uno juega su parte inseparablemente. la realidad más clara, como una fotografía, y el texto proponen una correlación absurda entre significante y singnificado, un diálogo intencionado que hay que descubrir. se aprecia una suma de mensajes simultáneos que nos lleva a entender este trabajo como una especie de auto-apropiacionismo, una relectura de sí mismo. existe una visión realista aportada por la precisión del grafito, casi fotográfica. quizá se entienda todo como una lectura semiótica que habla de soledad, de imperfección y del uso del signo como contrapunto a la imagen para expresar ese grito en el vacío. presentamos una serie de dibujos realizados con grafito y óleo sobre papel. el título hace alusión una de las obras donde el texto “estropea” la imagen pero, en resumen, la complementa y le da un sentido como al resto de ellas. se trata de un interesante proyecto que nos sirve para despedir una temporada de la que esperamos haber aportado un poco a la divulgación del arte independiente y que, de igual manera, continuaremos nuestro camino durante la siguiente.
Braulio R. espacioBRUT

__Adrián Martínez, Ibiza . 1984 Licenciado en Bellas Artes, Universidad de La Laguna, Tenerife. actualmente reside y trabaja en Amberes, ciudad donde desempeña su labor profesional enfocada al proceso creativo… Ha realizado diversas exposiciones individuales y colectivas en diferentes ciudades españolas y europeas y parte de su obra pertenece ya a diversas colecciones públicas y privadas.

Redes

las redes de Lola Pascual, Valencia, 1956, quizá queden en cierto modo, eclipsadas por la poderosa realidad de la otra red, tecnológica y obvia. seducen de forma no tan inmediata pero ciertamente más profunda, más pausada. son sencillas y humildes, como las que utiliza el pescador. reproducen un entramado entretejido, ilimitado a veces y otras enmarcado sobre el papel como soporte fundamental y orgánico. pudimos conocer su obra a través de una serie de dibujos que, bajo el título de “Entramados”, presentó en la Colegio de España de París hace un par de años. y continuando este proyecto surgieron nuevas redes. si uno de los dilemas del arte actual es discernir un significado implícito e inmediato y una lectura en un nivel individualista, las obras de Lola Pascual escapan de toda especulación al respecto puesto que van más allá de la transcripción al espectador y lo sitúan ante obras de gran belleza plástica, elocuentes por sí mismas. no hay discursos insospechados ni ocultos. no hay explicaciones posteriores. está el mensaje que transmite un trabajo refinado y una hechura natural e imperfecta que el uso del papel provoca al paso del pincel y de la plumilla cargada de tinta o del surco del lápiz sobre aquel, imperfecto e imprevisible a veces. quizá una suerte de gongbi mediterráneo, cálido y sensual. presentamos un proyecto cuidado y minucioso, que se consume con calma y disfrutando cada obra con el ánimo con que se disfruta el arte de calidad, sin más.
Braulio R. espacioBRUT

__Lola Pascual, Valencia . 1956 Doctora en Bellas Artes. En la actualidad profesora en la Facultad de Bellas Artes de UPV y miembro del Centro de investigación “Arte y Entorno”. Realiza numerosas exposiciones entre las que cabe destacar, las individuales en la Galería Zinzen (Bruselas 1998), en la Galería Charpa (Valencia 2009) y en el Colegio de España (París 2015). Ha participado asimismo en varias colectivas y comisariados en divesas galerías y centros de España, Bélgica, Taiwán, Méjico, Italia, Estados Unidos, Portugal, Brasil, Chile, etc

vogavoga

tenemos el placer de presentar a un artista que expone por vez primera un proyecto en Madrid de forma individual. se trata del gallego Sergio Femar, de 26 años, que ya apunta hacia el talento y la sensibilidad que se esperan tras una brillante carrera universitaria. el mar, la soledad y el coraje de quien se ha alejado de su tierra para encontrar el futuro. y Galicia se queda sola otra vez… el esfuerzo para sacar adelante el trabajo diario de un artista que se moja las manos con pintura y con agua de mar, fría y oscura, como lo es la de su costa, dá título al hecho de vogar, (bogar, remar, en castellano) y salir adelante una y otra vez… en cuanto vimos su obra, vimos la playa de arena limpia y fina de la ría y los escollos y rastros que la marea va dejando a la vista, recostados y lavados tras la tempestad. el trabajo de sergio no solo oscila entre la tierra y el mar, además, parece sumergirlo de nuevo para darle un aspecto de pervivencia bajo el agua, pesada y azul. presentamos una serie de quince obras de pintura en tres dimensiones, sin formatos fijos ni prederminados por el tamaño del bastidor. aquí hay más libertad y es el material de deshecho un instrumento más que no se constituye por ello en un mero soporte sino que participa activamente en el discurso total. os invitamos a visitar esta muestra que recoge, como siempre, lo que más nos gusta compartir. podéis venir a verla desde el día 9 de diciembre.
Braulio R. espacioBRUT

__Sergio Femar, O Porriño, Pontevedra. 1990 Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca en la especialización de pintura con méritos. Promoción 2008 / 2013. En su corta trayectoria ha particioado en diversas esposiciones y certámenes.

6 F (Universal)

las ideas brotan de la propia pintura. son extraídas eliminando lo que sobra, reduciendo al máximo su contenido, delimitado solo por el espacio físico del lienzo que envuelve con pocas palabras una gran obra. el título de la expo alude a un formato de bastidor muy común. y tratando de dignificar este elemento Cremades decide atrapar su mensaje entre estos límites y no en otros. le acercan a una visión más certera, a una escala que permita una lectura más íntima: exiguo significante y riqueza de significado. envuelto en un lenguaje pictórico elaborado mediante veladuras casi infinitas, imprescindibles, como líneas de expresión que se suceden a modo de poema sonoro, la obra de Cremades navega entre cierto lirismo implícito, como una composición musical en modo menor, brumosa y profunda. sobrevivir con la pintura a pesar de tentadoras tendencias quizá más comerciales no es objetivo muy declarado hoy en día, sino un rasgo de autenticidad de quien se siente fuerte con un soporte que nos sigue conmoviendo y supera todos los prejuicios. comenzamos temporada con un artista del que sobran comentarios, esperando que os transmita todo lo que a nosotros nos llega al contemplar cualquiera de sus obras.
Braulio R. espacioBRUT

__José Luis Cremades. Ibi, Alicante, 1979 Licenciado en Bellas Artes por la Facultad San Carlos, UPV, Valencia. 2006. Ha sido becado y premiado en diversas ocasiones como la Beca Alfons Roig, Valencia. 2010; Beca Mario Antolín de Ayuda a la Investigación Pictórica, XXV Premio BMW de pintura, Madrid. Medalla de honor Premio BMW de Pintura, Madrid. 2013 Ha participado en diversas exposiciones individuales y colectivas en todo el país y su obra forma parte de varias fundaciones y colecciones particulares españolas e internacionales.

Retratos

Os invitamos a disfrutar de la segunda exposición de Juan Carlos López Davis en espacioBRUT. Durante estos casi cuatro años, hemos estado pendientes de su trayectoria y aquí le tenemos de nuevo, inmediato y entusiasta… Esta serie de personajes cotidianos a los que alude el título, acaso cumpla un íntimo deseo de desgranar cuerpo y alma, expresividad y vitalidad. Allí donde la línea parece arañar el papel es donde concreta y decodifica el mensaje que el fondo de color se ocupa de llevar más allá de una comprensión tan buscada como inútil. Sin haber conocido a Juan Carlos diríase, al ver su obra, que es un gran dibujante y de hecho lo es. Pero conociéndole, sin abordar otros aspectos de su personalidad, sabemos que su labor va más allá del dibujo: lo utiliza como lenguaje direccional, como medio pero no como objetivo. El objetivo no existe más que en su propia mirada, que se redescubre a cada nuevo vistazo de la obra. Los retratos que espacioBRUT tiene el placer de colgar y que constituyen nuestra última muestra antes del verano, no tienen un origen definido, ni lo necesitan. Probablemente el artista los tenga en su mente y en su realidad más cotidiana pero su lenguaje es el que transmite toda su crudeza y todo su lirismo. Es como si esa abstracción se deshiciera en mil lecturas diferentes, como si esa corporalidad del ser humano se desintegrara con el paso del tiempo. Y de ese ojo rompedor, renace un clasicismo contemporáneo y brutal. La técnica utilizada es básicamente acrílico y tinta sobre papel en varios formatos.
Braulio R. espacioBRUT

__Juan Carlos López Davis. Lorca, 1982. Licenciado en Bellas Artes por la facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia. Ha participado en numerosos certámenes y exposiciones. Actualmente trabaja y reside en Murcia, estando su obra repartida en diferentes colecciones privadas de Berlín, Londres, Madrid o París entre otras.

Alrededor de un centro

Alrededor de un centro gira una pequeña cosmogonía compuesta por objetos de uso cotidiano, narrada en un argumento que oscila entre la intervención aleatoria de la realidad última y la percepción de la realidad primera, aprehensible y cercana. Miguel se mueve alrededor de elementos de sujeción de los cuadros dotándolos de una expresividad inusitada y de una consciencia no premeditada sino ejercida por su propio material. El objet trouvé constituye la verdadera lectura coherente con la linea argumental del proyecto. Como una suerte de contrapunto, Laura se concentra en los patrones geométricos del entorno, ahora en un nivel más doméstico dibujando una realidad menos tangible. La suma de ambas acciones se concreta en una lectura sencilla, tranquila… Laura Delgado y Miguel Martins presentan por primera vez un proyecto expositivo común propuesto por nosotros hace unos meses y aceptado en principio con asombro, pero de buena gana… El intercambio confluye hacia un centro que nunca engulle su contenido sino como espacio para la reflexión. Intercalar y yuxtaponer las piezas de los dos, que evidencien las relaciones y que se contaminen el uno del otro, da sentido al proyecto. Las piezas adquieren el carácter unitario deseado con la elección de pocos colores (rojo, dorado, gris, negro) Por otro lado, se hace evidente, mediante el hecho compositivo de una nebulosa de objetos que juegan y dialogan con el espacio que los alberga, con su ámbito más próximo pero no menos importante, lo que significa integrar la pieza artística en el propio espacio doméstico. El refinamiento y la belleza del trabajo de ambos artistas es por sí mismo motivo para observar una realidad más cercana pero menos real y de atraer la belleza por medio de la armonía, del significado de un lenguaje propio.
Braulio R. espacioBRUT

__Miguel Ângelo Martins. Funchal, 1976. En su práctica artística establece nuevas relaciones entre soporte y pintura a partir del proceso y la experimentación. Emplea frecuentemente elementos de tradición pictórica, llevándolos a su límite de uso. El resultado es una deconstrucción del espacio clásico de cuadro para convertirse en objetos autónomos, que hablan principalmente de las cualidades físicas de la materia con la que están constituidos. Por otro lado desarrolla proyectos pictóricos en formato libro donde reúne y clasifica instrumentos del pintar acumulados en su propio espacio de trabajo. __Laura Pilar Delgado. Madrid, 1982. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Máster en Producción Artística de la Universidad Politécnica de Valencia. Sus medios de trabajo son principalmente el dibujo y la obra gráfica. Su obra se ha expuesto en diversas exposiciones, tanto individuales como colectivas, y ferias en España y Portugal.

Embodiment

Hace casi dos años que expusimos, por primera vez, el trabajo de la artista y diseñadora textil danesa Maj Persdatter. Un discurso profuso en colores sobre tela de algodón y papel que significó un proyecto novedoso y contemporáneo. Ahora, su evolución natural nos presenta un proyecto más maduro, lleno de referencias nuevas y meditadas. Persdatter se centra en esta ocasión en tres discursos diferentes pero unidos en un ente orgánico. Todo gira entorno a la figura humana y su relación atemporal fuera de un contexto físico tangible, como si de un sueño se tratara. Un sueño que se percibe mediante un viaje a la sensualidad corporal, al estado físico del vagar en el tiempo y el espacio. Las dos series que se exponen centran su argumento en torno a una manera diferente de viajar a través de etapas, reviviendo experiencias, a veces de manera física, a veces sólo con la mente. Pero todo ello experimentado e interpretado a través del cuerpo y simbolizando, a través de éste, el reencuentro con su entorno. Body journals, donde cuerpo y mente quedan divididos en diferentes etapas y modos de sentir el mundo sólo a través del cuerpo, simplemente dejando la mente en otra parte. “Una especie de sensualidad”. Knights of Greenland se ocupa de retratar el olvidado título de caballero de Groenlandia, imaginando cómo se vería, cómo se presentaría hoy a si mismo. La artista de Copenhague relata un mundo quizá no extrapolable a nuestras latitudes desde el punto de vista de la quietud y la reflexión nórdicas pero sí tangible respecto a lo humano del sentir desde un punto de vista sensorial. Las obras están impresas con tinta sobre algodón y papel, en ediciones limitadas muy cortas. Nos gustaría compartir esta experiencia con nuestros amigos y seguidores para dar una alternativa a otros tipos de soporte más alejados de las tendencias, quizá, pero inherentes al mundo de la creatividad más inquieta y contemporánea.
Braulio R. espacioBRUT

__Maj Persdatter, 1977. Vive en Copenhague, Dinamarca. Estudió diseño textil enThe Royal Danish Academy of Fine Arts, KADK. Comenzó su carrera en 1998 trabajando en un telar en Turquía. Actuamente trabaja como artista y diseñadora textil. Entre sus exposiciones se hayan diversas colectivas e individuales relacionadas con el diseño textil en Dinamarca, Alemania y Francia y España.

La trampa del lobo

Creimos en Miguel Marina (Madrid, 1989) nada más ver su obra. Elegimos su trabajo porque entendimos al momento el significado de su lenguaje. Y aquí lo tenemos: un observador de la realidad menos visible y más secreta. Marina se mueve en un entorno interpretativo complejo; al menos su esquema intelectual, metafísico, de la realidad de las cosas. Y si nos despojamos totalmente de explicaciones que quedarán en cada uno de nosotros, saldrá a la superficie una cierta carga de cotidianidad y también de misterio. Todo se hace más cercano. Y volviendo a la realidad, quizá sea ésta objeto no banalizado de su estudio. Es decir, enumerando en una serie de obras que asoman a un mundo real, que nos rodea, aunque no tangible como es el universo, el espacio, los planetas. Pero no pudiendo percibir ni su olor, ni su silencio, se aleja de toda realidad conocida que está ahí, presente y cercana. Pareciera un discurso unívoco por el tema elegido, pero aquí el paisaje se espolvorea y articula en diversas sensaciones interpretativas. Cada espectador sugiere una lectura. Y aunque la idea de la que parte el proyecto está completa sólo en su mente, la semántica es lo que interesa y llega al espectador mediante una sucesión escenográfica y sutil de elementos que encajan. Por fin llegamos a la percepción de la materia de la que estamos hechos. Destramar la memoria en una fragmentación de imágenes, paisajes, silencios y encuadres imaginados pero perfectamente posibles, en cierto modo encadenados, pertenecientes a una misma escena. Esa es la idea: la intuición de paisajes desconocidos. […partiendo del fracaso que puede suponer trabajar sobre algo a lo que no puedes acceder ni conocer.] Existe un espíritu revelador, aunque difuso e inquietante, en esta serie de universos casi cotidianos que Marina interpreta con una sencillez sorprendente y una técnica como apoyo certero. Carbón, pigmentos, spray sobre lienzo desnudo: más de una docena de obras que colgarán durante este final de año y principio del próximo. Hemos topado con un gran artista y tenemos el placer de exponer parte de su trabajo, refinado y bello, que llega a lo sencillo desde lo elemental, como es mirar al cielo nocturno y entonces ver.
Braulio R. espacioBRUT

“Somos polvo de estrellas que piensa acerca de las estrellas.” Carl Sagan

De amor y de muerte

Coincidiendo con la celebración de Halloween, espacioBRUT presenta “De amor y de muerte”, una exposición conjunta de los pintores andaluces Rafael García Tejero y Pablo Sycet. Tratándose de dos artistas ya consagrados poco tenemos que añadir a la concepción de un proyecto definido como expresión y actuación centrada en un determinado tema y una determinada fecha: que tiene caducidad; como la tiene la muerte y como quizá la tenga (o no) el amor, ambos, ejes conceptuales que articulan el discurso de lo inútil de la esperanza sobre una vana eternidad. Tras ese sentido perecedero se encuentra el verdadero origen de la existencia. Esperamos que ésta sea motivo de celebración, al fin y al cabo porque es parte de nuestra propia naturaleza. La catrina, personaje significativo en la cultura popular mejicana, es el trasfondo hamletiano, el punto de origen de la verdadera consciencia de nuestra utilidad en el mundo. Y de entre dos conceptos, que van unidos, se desprende una doble visión: la de la vida, la naturaleza humana y terrena, su celebración, revelada por Rafael García Tejero (Baena, Córdoba, 1958) y por otro lado, la de la reflexión acerca de la muerte sin suerte y sin remedio para la que Pablo Sycet (Gibraleón, Huelva, 1953) aporta una escenificación instalativa más reduccionista. Ambas constituyen un organismo que, durante un mes, nos sorprenderá. La exposición la conforma un grupo de obras originales, de técnica mixta con collage y dibujo, alegoría vitalista que aborda Rafael y una instalación de Pablo Sycet centrada en el último de nuestros pasos por la vida, además de dos obras sobre cartón. Como complemento, se presenta “De amor y de muerte”, un múltiple realizado mecánica y conjuntamente por ambos artistas, y posteriormente intervenidos por uno y otro para así convertirlos en obras únicas. La edición consta de 9 ejemplares, firmados y signados en arábigo, más 3 pruebas de artista firmadas en romano. Braulio R. espacioBRUT

_Rafael García Tejero (Baena/Córdoba, 1958) estudió Bellas Artes en Cracovia, especializándose en grabado, y Dirección artística de Cinematografía en Madrid. Ha expuesto individualmente en galerías de Polonia, Paises Bajos, México, y España. En 2014, en colaboración con Pablo Sycet, presentó en el Colegio de España en París "Dos visiones de un mismo paisaje". _Pablo Sycet (Gibraleón/Huelva, 1953) se licenció en periodismo en la Universidad Complutense, y en 1980 recibió una beca de pintura del Ministerio de Cultura. En 1985 recibe una beca del Comité Conjunto Hispano Norteamericano para la Cooperación Cultural y Educativa para una residencia artística en Nueva York. Ha realizado más de 60 exposiciones individuales en España, EE.UU y Eslovaquia.

Fotografía Introspectiva

Estamos deseando empezar la temporada con nuevos aires, temperaturas afines al confort del ser humano y ligeras corrientes que nos evoquen paisajes diferentes. Para ello, y gracias a PAC, hemos localizado una luz en el panorama artístico. Misterpiro, que nació en Madrid, creció en Plasencia y ahora vive y trabaja en Madrid, nos presenta un proyecto centrado en el retrato femenino; en principio sereno, poco contrastado, pero cuya lectura va sumiéndonos en una mirada interior y sugerentemente guidada hacia una naturaleza más espiritual y de lectura más compacta, sólida y potente. Así Misterpiro parece dirigir su joven, que no corta trayectoria, hacia un discurso coherente que sugiere un placer exiguo pero intenso. Con la ayuda del fotógrafo Alberto Lorenzo, la serie intensifica su enfoque a través de la percepción más realista que aporta la fotografía. La suavidad y cercanía del soporte de papel contribuyen al afianzamiento del título de la muestra. Por último, la intervención sutil de la acuarela y el grafito, parece desdibujar la aparente rigidez del retrato femenino, y su aparente sosiego se desborda finalmente con el uso del spray y el acrílico. Paralelamente queremos reafirmar la condición de Misterpiro como artista urbano. Para ello, como paso previo, ha intervenido los cierres de nuestro local con una puesta en escena ágil y delicada que podrá admirarse desde la calle. Creemos que un trabajo tan refinado merece ser visto por todos los que pasen por nuestro espacio, igual que nosotros lo disfrutaremos aquí mientras dure la exposición. Braulio Rodríguez
COLABORA: PAC

Misterpiro: Andrés Sánchez-Ocaña Núñez. Madrid, 1994 Actualmente cursa el segundo año en el Grado en Diseño en la Facultad de Bellas artes de la Universidad Complutense de Madrid. Curso 2013-2014. Ha participado en numerosas acciones publicitarias, en exposiciones individuales y colectivas y en diversas acciones en la calle. Además, ha ganado varios certámenes de arte urbano y graffity.

Paper wings

espacioBRUT despide esta temporada de exposiciones con la presentación del trabajo de Genison Oliveira, artista brasileño con residencia en Lisboa. Genison como reflejo de la naturaleza en estado puro en sus dibujos, en este caso, o en su obra escultórica, basada en los estados naturales del ser vivo que crece y se desarrolla hasta su consumición natural… Y el ciclo comienza de nuevo, puro, salvaje. Su dibujo es rico en expresividad, en naturalidad, en una gestualidad consciente y bella por sí misma, que imprime la violencia del movimiento de las alas como argumento gráfico. La tinta sobre el papel resuelve fantásticamente el motivo gráfico suficiente y conciso. Las aves no se ven, se percibe su rastro en un solo segundo… La exposición se compone de una serie de dibujos realizados con tinta china sobre papel de algodón e imagen digital. Braulio Rodríguez

Nuestro agradecimiento a Pablo Sycet, que nos descubrió al artista.

Genison Oliveira_ Gobernador Archer (Maranhão), Brasil, 1977. A partir de la actividad artística en el Galpón de las Artes - GAM - Marabá, Estado de Pará, participó en cursos y talleres de Instituto de Bellas Artes de Pará Arte (AIP). Trabajó con artistas: Mário Rui “Ruma” Arte Contemporáneo. Filipe Taborda - Gráficos Caboclo. Claudia Sc - EB - Escultura en arcilla. Armando Sobral - Xilografía. Participa en exposiciones individuales y colectivas en Brasil desde 1999. Actualmente vive y trabaja en Portugal. Lleva a cabo investigaciones en las áreas de escultura, pintura, objeto, diseño y grabado digital. Sus obras pueden verse en la Embajada de Brasil o en La Casa de América Latina en Lisboa y en colecciones privadas de toda Europa.

Borderline/ pinturas inéditas 2015

Invitar a un artista chileno, en este caso, a desarrollar un proyecto para nuestro espacio no es una tarea fácil en cuanto a la sinergia del trabajo a distancia. Pero nos hemos entendido muy bien y el resultado es el que esperábamos. Felipe Bracelis vive y trabaja en Santiago de Chile pero su expresión transcultural nos hace asimilarlo rápidamente a una idea global del arte, lejos de otras suposiciones de rango geopolítico que lo identifiquen con un arte puramente latinoamericano. Ahora tenemos la oportunidad de presentar su obra por primera vez en Europa. Conocimos su trabajo, publicado quién sabe dónde, y en seguida nos comunicó historias, deseos, verdades y mentiras. Sus personajes han evolucionado desde los desmembramientos en forma de collage, de sus personajes en plena actividad sexual, hasta la delgada línea que los separa, que nos separa, de la naturaleza física. Sus trabajos han evolucionado en poco tiempo, como es de desear, hacia un entorno más abstracto pero más certero en cuanto a su discurso naturalista, sensual y primitivista. Estimulación y reflexión sobre los sentidos a través de un soporte tan tradicional y tan contemporáneo a la vez como es la fotografía. Nos ha complacido realmente el resultado y encajará en nuestro espacio, abierto una vez más a la creatividad que nos parece más especial. En este proyecto, Borderline, integra cuerpos en plena naturaleza y, ahora, tras despojarlos de superfluas vestimentas, los desintegra rápidamente bajo capas de pintura. Ya no son anónimos seres, ya tienen cada uno su propia verdad o mentira y se mueven en el límite de lo real y de lo imaginado, que aporta la capa de pintura que los envuelve. Un resultado fresco, salvaje, que no deja indiferente al ojo del observador que nos visita, principalmente curioso (y cultivado). Una oportunidad más de admirar simplemente y/o adquirir arte de calidad a precios razonables. La exposición consta de nueve fotografías impresas sobre pvc con impasto acrílico realizadas en Chile para espacioBRUT. Braulio Rodríguez. espacioBRUT Braulio Rodríguez. espacioBRUT

Felipe Bracelis. La Serena, Chile, 1987_ Tras conseguir la Licenciatura en Artes Plásticas en la Universidad de Chile, funda el proyecto YESSR, plataforma de desarrollo curatorial y de extensión, orientado a expandir el medio de emplazamiento para artistas jóvenes en Chile y en otras latitudes de Latinoamérica. El trabajo de Felipe Bracelis se ha expuesto en galerías y centros culturales de Chile, Argentina, Bolivia, Perú y Canadá, y ha sido incluido en publicaciones como Butt Magazine (usa), Woof Magazine (br), Monocromo Artzine (mx), Ticket to Hell (usa), Territorio Cultural (cl) y Cock au Soleil (fr), entre otras. Actualmente Bracelis es representado por La Petite Mort Gallery de Canadá, espacio en el cual además ha participado activamente como curador.

Y.M.P.P.P.J.G.

Visto desde nuestra perspectiva, en el panorama actual se hace cada vez más perceptible la diferencia entre el artista involucrado intelectualmente y el que participa casi solamente del acto social. Sin entrar en discusión de si ésto último es malo o no, ni nos corresponde, nos complace lo primero, lo que nos alimenta de verdad. El resultado final no es el mismo. No sólo nos nutrimos del ingenio y la ocurrencia necesarios, sino también del propio proceso creativo, sólido, que involucra pensamientos y creencias que se van pegando a nuestra memoria como fragmentos de hierro a un imán. Se hace necesaria una reflexión acerca del papel del hecho cultural y su entorno sobre la obra de arte y la influenca del aprendizaje individual (o colectivo), de la convivencia, de la simbiosis entre la obra y la lectura que conlleva a su conclusión… El desarrollo posterior de un proyecto llevado a cabo por Javier Pividal nos hizo meditar acerca de si existía un camino paralelo o una continuación de éste, un crecimiento óseo y carnívoro. Ecrire en blanc ahora se transforma, crece, como el espíritu atormentado de cualquiera de los tres universos que dan título a la exposición y que, a partir de hoy nos acompañan: aquellos que repoblaron tardes de lectura o, más bien, de invasión de nuestras inquietudes más personales… ahora son objeto de meditación sobre una vida al límite y un final trágico. Yukio Mishima, Pier Paolo Pasolini y Jean Genet, antihéroes o titanes, sus cuerpos escritos con cortes afilados los reafirman y son el eje argumental de esta muestra que tenemos la alegría de compartir con vosotros para intentar contribuir con algo de calidad al panorama cultural de esta ciudad. Pividal propone una detallada lectura, no por ello carente de placer, ni mucho menos, del desarrolllo de una tipografía como troquel que deja ver lo corporal y espiritual de la imagen, a través del vacío y de las sombras que proyecta el hueco del corte sobre el papel trasero. Su visión conceptual del blanco sobre negro pasa a ser el motivo desencadenante del acercamiento entre el cuerpo, la imagen y la palabra. Ogami Press, por su parte, ha sido parte fundamental de un proceso productivo de gran calidad y del resultado final del que nos sentimos todos satisfechos. La exposición se articula a partir de unas piezas de nueva producción –serigrafías sobre madera– y de una serie de fotolitografías intervenidas, en íntimo diálogo con nuestro espacio. espacioBRUT os convoca una vez más a celebrar que el arte sigue vivo también en recónditas esquinas. Braulio Rodríguez. espacioBRUT

_Javier Pividal. Cartagena, 1971. Es licenciado en Bellas Artes y Máster en Museología por la Universidad Politécnica de Valencia. Amplía sus estudios en la Southampton Solent University y en París donde realiza el proyecto Fragmentos de un discurso gracias a una beca CAM de Artes Plásticas.

BRUTAL

espacioBRUT comienza el año con esta exposición de Wenceslao Robles. Se trata de un encargo con el foco puesto en su visión de la arquitectura brutalista, sobre edificios de Le Corbusier, Nick Rochowski, Owen Luder, etc… La obra de este artista sevillano se mueve entre placer por el refinamiento del trabajo bien ejecutado y el acierto por la temática elegida. Ambos sugieren una forma de poesía que choca frontalmente con la lógica de pensar si una mole de hormigón es bella o si lo fue alguna vez. Aparte de obviedades historicistas, críticas o no, lo que importa es la belleza de lo humano, sea o no del agrado de caminantes o críticos. En esta ocasión Wenceslao Robles emprende un camino paralelo al de su evolución como artista y nos trae su propia extracción de la belleza de lo cotidiano, si es que el brutalismo lo es o lo fue cuando se introdujo en nuestro habitual y urbano paisaje. Quisimos darle al argumento un carácter que pudiese formar parte de nuestro entendimiento como habitantes de espacios quizá demasiado utilitarios, como además, infundidos de razonamientos coléricos y poco consecuentes con nuestra evolución. Son estas grandes criaturas nuestros grandes frankensteins, olvidados en muchos casos, pero con su propia retórica y su poesía. Sin querer entrar en discusiones de estilo sino en la razón de su inerte belleza o fortaleza, nos vemos inmersos en paisajes que nos son familiares porque albergan historias humanas. Aún vistas desde fuera, son grandes máquinas de habitar; grandes testimonios de épocas en que la razón también se imponía en el paisaje. Robles grabador, Robles pintor, se presenta como el artista completo y nos llama la atención su minucioso procedimiento racional en cuanto a la ejecución y al encuadre, despreocupadamente meditado y a veces repetitivo en forma lineal como un halo espiritual o técnico… Os invitamos de nuevo a una gran exposición, de la que nos sentimos orgullosos y que nos gustaría fuera comentada o, por lo menos tenida en cuenta en un hueco de la memoria. Braulio Rodríguez. espacioBRUT

_Wenceslao Robles. Sevilla, 1976. Licenciado en Bellas Artes, en la especialidad de Diseño y Grabado, por la Universidad De Sevilla. Ha participado en innumerables exposiciones y certámenes, en los que ha sido varias ocasiones galardonado: Primer premio: IV Bienal Internacional de Grabado Aguafuerte 2014. Valladolid; primer premio: Certamen de Grabado 2013 de Colegio Oficial de Aparejadores, Arquitectos e Ingenieros de Edificación de la Rioja, La Rioja 2013; primer premio: VI Concurso Nacional de Grabado de Alcalá de Guadaíra, Sevilla, 2003… Por otro lado, sus obras han sido adquiridas por organismos públicos y privados: Biblioteca Nacional, Madrid; Calcografía Nacional, Madrid; Consejería de Sanidad, Junta de Andalucía; Autoridad Portuaria de Barcelona; Ayuntamiento Ciudad de Borja, Zaragoza; Diputación Provincial A Coruña; Museum of the Americas, Miami, EEUU.

Espacios Distópicos

Juanma Sánchez no dibuja escenarios tangibles ni concretos; ni tan siquiera pareciera que dibuje, no le hace falta para expresar un deseo que le ronda la cabeza. Crear es desear lo que no se puede concretar, lo que nos ronda como un mantra, lo que jamás conseguiremos definir pero que los afines entienden, como algo que les toca de cerca y que no saben explicar hasta que alguien lo hace por primera vez… Desde la magnífica revelación de su serie abstracta, donde líneas y volúmenes quizá danzan, se entrecruzan y se mueven como si de un acto sensual y sexual se tratara; donde los objetos dejan de serlo para formar parte de una misma lectura de color y de ritmo… hasta la serie, no sólo de rostros, sino de retratos de personajes inexistentes, también distópicos pero a la vez hermosos, tiernos y con una displicencia casi primitiva. Reflejo escondido de afiches y carteles de teatro donde se mezcla el influjo de las primeras vanguardias y de los tiempos en que esta ciudad, por ejemplo, era entusiasta e ilusionada… Su descontento es nuestra nueva perspectiva, satisfecha ante una obra tan fácilmente apreciable. De esta manera podría describirse el trabajo de Juanma Sánchez. Nos sorprendió su solidez, su entusiasmo sin entusiasmo, su pasión callada y no sólo insinuada. Su madurez creativa es la que exponemos ahora en nuestro espacio. Por ello estamos contentos de llegar en el momento adecuado de su evolución como artista. espacioBRUT presenta una selección de obras compacta y ágil, que permanecerá colgada hasta Navidad y a la que auguramos todo el éxito que el público sensible y amante del arte de calidad pueda brindarle. Nuestro agradecimiento a Adolfo Blanco Osborne, el cual acertó con su sugerencia y nos trajo al artista. Braulio Rodríguez. espacioBRUT

_Juan Manuel Sánchez. Alcalá de Henares, Madrid, 1956. Tesis Doctoral, Facultad de Bellas Artes, Universidad Complutense de Madrid. “Andrea D’Odorico: Un arquitecto del Espacio”. Master en Gestión Cultural (Tercer Ciclo Universitario) Universidad de Alcalá. Es también Licenciado en Arte Dramático por la Real Escuela Superior de Arte Dramático de Madrid. RESAD Ha participado en diversas exposiciones y ferias, en galerías de Madrid, Barcelona, Valencia, Granada o Ibiza.

13 Textiles Tribales para un Hogar Contemporáneo

Siendo estudiante de arquitectura, allá por el siglo pasado, recuerdo haber interpretado, en un examen de dibujo técnico, la Villa Mairea. Enterita. Delineando con el rotring todas sus puertas y ventanas, sus pavimentos, los árboles que la rodeaban… La imagen surgió después, cuando la vi en fotografías, tal como era; con el mismo aspecto que sus moradores, los Gullichsen, la habían conservado: con las obras de Marie en las paredes, los muebles de Alvar Aalto, las alfombras… Fue la primera vez que vi una Beni Ouarain, pero apenas presté atención… El paso del tiempo, la madurez, el amor por lo bello, han traido a mi casa, quizá por deseo inconsciente, una pieza antigua, semejante, … y ese recuerdo pervive en mi como una premonición. Como profesional, casi no concibo un espacio doméstico sin un textil como los que estudioH ahora nos muestra. Han de ser considerados y tratados como obras de arte, pueden tenderse sobre el suelo o colgarse de la pared. Tienen su propia función de aportar calidez, belleza y ese lenguaje secreto e indescriptible que las hace protectoras del hogar. Bajo este enfoque a la vez práctico, a la vez poético, nos complace dar argumento a una nueva exposición sobre el textil tribal y su perfecta integración en el espacio de nuestras casas. Admiremos un fantástico hanbel o un espactacular tacheh, descubramos en un filikli su morbida sencillez, la sofisticada y refinada desnudez de un asachu… Imperfectas, sencillas, útiles, bellas, evocadoras de paisajes escritos y soñados como los de Bowles o Lawrence de Arabia… Pero… ¡qué poco modernos somos! Si ya hace casi un siglo que cubrían los suelos del Pabellón de L’Esprit Nouveau. Si las hemos visto en la casa de los Eames, en la de los Girard, en la de François Halard, en obras de Gropius y Le Corbusier, en apartamentos y grandes casas de Nueva York o de Copenhague… Más de una docena de piezas únicas, tejidas en telares enormemente sencillos para su uso familiar, forman parte de esta selección que José Luis Herrero ha pensado para espacioBRUT. Por ello, como alternativa a lo rutina de lo cotidiano, es un placer poder admirar esta gran colección, única probablemente en nuestro país y su diálogo incontenido con nuestras propias piezas de diseño, tal como son. Nos sorprenderá su inmediata integración en el espacio, conviviendo con nuestros muebles, perdurando siempre con nosotros. Braulio Rodríguez. espacioBRUT

_José Luis Herrero, licenciado en Geografía e Historia, en la rama de Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, es el alma de estudioH. Especializado en Arte del Extremo Oriente, siempre ha combinado la dedicación al estudio con la venta de arte y antigüedades, y la colaboración como dealer entre anticuarios, galeristas y clientes.

BALANCE

BALANCE es atrapar un instante preciso y deseado para que una serie de circunstancias contenidas resuelvan la imagen. La acción está a punto de concluir, de caerse el elemento puesto en equilibrio durante unos segundos… Aparentemente esta lacónica respuesta del tiempo se vuelve a favor de ellos, de Fernando MASELLI (Buenos Aires, 1978) y de KAUFMAN (1975, Hitchin, Inglaterra), que han sabido dotar el momento de una expresividad natural pero obviamente meditada. Las fotografías, base de la obra, son tomadas por Maselli en barrios abandonados, a medio construir. Estos espacios serán intervenidos por Kaufman antes de ser fotografiados, con la utilización de elementos encontrados. Dichos elementos fusionarán su fisonomía geométrica con el entorno que les rodea. De este modo, las imágenes contendrán una serie de patrones formados por figuras geométricas que más tarde serán enfatizados y combinados a través del color. Fotografías hechas en la frontera difusa entre el olvido y el recuerdo, donde la ausencia humana enfatiza aún más el abandono, y, sin embargo, queda una soledad inquietante. El brutalismo de estos espacios sin acabar, como son las obras de construcción, aporta tal dosis de belleza, que interponer una metáfora más sería redundante, pero subrayar con un aporte intelectual tal expresividad dependerá del juego gráfico final. El color de las formas geométricas que se superponen a un momento apunto de desvanecerse, entre la realidad y la ficción, es el que remata con gran sutileza este argumento, este BALANCE. Por otro lado, Convex Tangram, de Kaufman, como contrapunto, pone de relieve con sus piezas el efecto simbiótico a la exposición mediante pedazos de encofrados recogidos en las anteriores escenografías y que combina, reutilizándolas, siguiendo las formas de este antiguo juego chino. espacioBRUT se alegra de abrir nueva temporada con la presentación de este proyecto, desarrollado bajo el comisariado de Óscar García García y de PAC.

La obra de KAUFMAN se basa principalmente en tres conceptos: lo urbano, la abstracción y la geometría. Dentro de este juego de signos abstractos cobra gran importancia lo lúdico, proponiendo una reflexión sobre la reinvención del mundo en la que participe el espectador. El reciclaje y la reutilización están muy presentes en sus creaciones.
La obra fotográfica de FERNANDO MASELLI ha estado siempre ligada al paisaje, ya sea urbano o natural. Sus primeras series tienen un denominador común, Madrid, en ellas subraya el efecto pictórico gracias a las variantes de color que son resaltadas respectivamente mediante juegos de luces y sombras; y, por otro lado, utiliza y ordena un elemento como valor arquitectónico: el espacio fluyente, o vacío que recorre y sensibiliza con medida los intervalos que quedan libres entre la materia.

MORADA

El paso de los años parece consolidar la dura tipología habitacional de los barrios de la periferia; entes vivos que han ido adecuando su crecimiento orgánico y descontrolado al cambio social y generacional de miles de habitantes desplazados desde los años del desarrollismo. Ciudades encerradas en sí mismas, en su realidad aislada… Este ensimismamiento, que se mueve entre perversas políticas de falso progreso, se ha traducido finalmente en muros virtuales que encierran sus guetos. En palabras de Kenneth Frampton, “El crecimiento sin límites no hace ciudades. Es un reflejo del consumismo…” Rosario Trillo constata esta realidad con una mirada inteligente y esclarecedora de lo que es y no de lo que debería ser. Bajo un punto de vista, sin duda político, pero también sentimental, la exposición que ahora presentamos pone el dedo en la llaga y va más allá del hecho físico que se descubre entre el caos y la fealdad. El reciente trabajo de Rosario Trillo, asegurado por una trayectoria artística sólida y más coherente de lo común, no obstante, emprende ahora un cambio de rumbo estilístico desde la ética y la conciencia social, desde lo entrañable de la nostalgia universal de ser humano, a la sórdida realidad. Prejuicios fuera para llegar a nuestra exposición número treinta con esta muestra de dibujos, maquetas y una gran impresión digital sobre papel de plano, que podrá verse hasta entrado el verano. Braulio Rodríguez

__Rosario Trillo, Madrid, 1970 Licenciada en Bellas Artes (Universidad Complutense de Madrid y Vincennes Saint Denis Paris VIII). Ha trabajado en diversos campos relacionados con el diseño. Durante algunos años ha sido socia del espacio La Integral de Madrid y ahora está retomando su producción artística. Trabaja sobre todo con dibujo y pintura. Sus trabajos reflejan el interés por cuestiones relacionadas con el espacio social, los hábitos y tendencias de la gente del extrarradio y las subculturas que se originan en los mismos. Las drogas son un tema recurrente en sus planteamientos, expuestos habitualmente desde la ironía o la parodia.

EN KOBENHAGEN/UN COPENHAGUE

La belleza secreta de los textiles orientales, del estudio y la etnografía desde la visión de un europeo abarca una investigación compleja pero llena de significados, casi criptográfica y envuelta en halos de misterio que nos cautivan por estas latitudes. Incluso más, tratándose de una artista danesa cuyas fronteras no rozan, como nosotros, otra civilización continental como la oriental y su influencia histórica en nuestra sociedad y nuestra cultura. Por ello es por lo menos fascinante, además de inquietante, el trabajo de Maj Persdatter. Su aportación al universo que envuelve la imaginería de la tradición textil oriental es el motivo de la serie EN KOBENHAGEN, como expresión cultural muy específica y lejana de la tradición europea, más ocupada en el ornamento decorativo. A través de lenguajes escondidos pero presentes, extrae y codifica, mediante un lenguaje actual de formas y colores, mensajes que van más allá del folcklorismo y que la llevan a la comprensión expresiva de la alfombra oriental y su mundo narrativo, tan diferente al nuestro. espacioBRUT tuvo el placer de descubrir y de invitar a Maj Persdatter a traer a Madrid este genial trabajo y a mostrarlo por primera vez fuera de Dinamarca. Nosotros se lo agradecemos y pensamos que no es habitual una exposición de estas características. Además de los textiles impresos sobre algodón, que constituyen la serie que da título a la muestra, la serie THIS HOLY PLACE puede fascinar a quien busque una expresión más gráfica y familiar, a través de la impresión sobre papel, de los mundos por los que discurre la iconografía colorista y geométrica de las alfombras orientales combinada con figuras antiguas de culturas primitivas. Un Santo Lugar, un estado de ánimo para la contemplación… En definitiva, una visión tan refinada de la cultura ancestral universal que muchos deberían al menos conocer. Por ello, os invitamos a descubrir ambos argumentos en nuestro espacio en estos días de primavera. Braulio Rodríguez

__Maj Persdatter, 1977. Vive en Copenhague, Dinamarca. Estudió diseño textil enThe Royal Danish Academy of Fine Arts, KADK. Comenzó su carrera en 1998 trabajando en un telar en Turquía. Actuamente trabaja como artista y diseñadora textil. Entre sus exposiciones se hayan diversas colectivas e individuales relacionadas con el diseño textil en Dinamarca, Alemania y Francia.Estudió diseño textil enThe Royal Danish Academy of Fine Arts, KADK. Comenzó su carrera en 1998 trabajando en un telar en Turquía. Actuamente trabaja como artista y diseñadora textil. Entre sus exposiciones se hayan diversas colectivas e individuales relacionadas con el diseño textil en Dinamarca, Alemania y Francia.

LA LLAVE DEL CIELO ES EL TEMPLO DE NUESTRO CUERPO

…Física, química, relaciones matemáticas, metafísica, magia… Todo está tan interrelacionado en la naturaleza que el ser humano podría fácilmente ser considerado como un simple mineral a estos niveles. Reducido a este escalón de entendimiento es cuando surge el punto de partida del argumento que Hortelano-Pi presenta en nuestra siguiente exposición. Se trata de una visión más mística. De una cosmogonía gráfica, nace un corpus bien estructurado desde un universo propio que surge con la necesidad evolutiva del artista. Conocíamos a un retratista fiel, desde su deslumbrante habilidad como dibujante, constatando el último detalle, hasta adoptar un lenguaje más suelto, más naturalista, pero sin permitirse imperfecciones; hemos percibido en él un cambio natural y saludable, seguramente orientado a un futuro profesional casi definitivo, dentro de lo que su juventud permite… La secreta conexión entre las obras constituye el nudo argumental de este proyecto, meditado y razonado durante estos pasados meses por un autor centrado siempre en la calidad de lo que emprende. espacioBRUT celebra la llegada de la primavera con esta muestra vitalista y honesta, sencilla, pero a la vez compleja, a través de una docena de dibujos realizados sobre papel, con técnicas que van desde el dibujo a lápiz, la acuarela, la tinta. En ella se suceden imágenes antropomórficas, familiares a nosotros y otras más lejanas pero reconocibles en lo más profundo de nuestro entendimiento. “Durante el último año he pasado por un proceso de trasformación física y espiritual. He perdido todo el pelo de mi cuerpo y a la vez me he vuelto a conectar a conceptos que tenía olvidados pero que siempre me han interesado. La naturaleza, la genética, la astrofísica y la antropología son materias que desde pequeño me han fascinado. Con esta muestra de dibujos quiero volver a recuperar esos temas e intentar conectar mi cuerpo con los animales, las plantas y las estrellas. Es un pequeño renacer a una nueva temporada de mi vida con dibujos de trasformación y vitalidad que espero motiven a los que lo vean a fomentar su polaridad positiva”.

__José Manuel Hortelano-Pi. Murcia, 1979. Ilustrador y retratista desde hace casi 10 años. De formación prácticamente autodidacta, su experiencia la ha ido ganando trabajando para revistas como Rolling Stone, Calle 20 o El País. Su obra se centra en el retrato, al que dedica gran parte de su actividad actual. Una muestra de su trabajo se ha visto en exposiciones como "Voy a tener Suerte" (MUTT, Barcelona, Marzo 20011), "Landscapes" (Atenas, Febrero 2012) o la retrospectiva que se hizo de su obra en La Rambleta, Valencia, en Junio del año pasado. Ha publicado dos libros con la editorial Romboide, "Onán" (ganador de un LAUS de Plata en el 2011) y "Landscapes" con los dibujos de su primera exposición internacional. La cerámica y la videocreación es también parte de su trabajo.

CANDELA

Qué tiene de extraño suponer que un paisaje, un fragmento de la vida cotidiana en un campo de cañas de azúcar, en Cuba, fotografiada con un teléfono, fuese el argumento para hacer una exposición al otro lado del océano. Quizá captar ese momento, en que el fuego devora los campos antes de la recolección de la caña, resulte raro en otras latitudes. Justine Foord estaba allí y lo que tiene de particular es haber atrapado con un iPhone el espíritu casi místico de la unión entre el fuego y el cielo, del horizonte, la carretera y la línea de los campos. A partir de aquí el proceso es laborioso pero va perfilándose en la pantalla del ordenador mediante un cuidado proceso. Ahí es donde Justine lleva a su terreno el resultado final de la experiencia; una labor de años y el crecimiento de un sentimiento que subyace en cada una de las fotografías que presentamos; un sentimiento que le ha acompañado desde el mismo viaje a la isla donde la fuerza del trabajo de los hombres, el calor de las llamas y el inmenso cielo roto, quebrado por las nubes, pudo producir en ella una experiencia catártica y difícil de reproducir en nuestro mundo. El retoque digital destapa, capa por capa, todas esas sensaciones y huellas que el trabajo, la rabia y el sufrimiento de una sociedad empobrecida colorean en cada píxel. espacioBRUT exhibe CANDELA en doce fotografías panorámicas, impresas sobre papel Luster y una sobre gesso y aluminio. Espectacular, intensa. Braulio Rodríguez

Justine Foord vive y trabaja en la ciudad de Nueva York. Nació en el sur de Inglaterra y tiene una fuerte conexión emocional con Cuba, donde CANDELA vió la vida. La carrera de Justine con éxito comercial en la foto aerografía (retoque), estableció estrechas colaboraciones con los mejores fotógrafos de moda/belleza y celebridades del mundo, por nombrar algunos, Miguel Reveriego, Mert and Marcus, Patrick Demarchelier, Sølve Sundsbø, Bryan Adams, Steven Meisel, Mario Testino y Terry Richardson. El trabajo comercial de Justine es reconocido por su aguda sensibilidad a las variaciones infinitesimales de la transmutación del color. CANDELA es su primera exposición individual de la serie fotográfica original .

NADA PERMANECE

El tiempo, siquiera llegado un momento de echar la vista atrás, sigue su camino sin piedad y el ser envejece igualmente. En ese instante de observación de su destrucción o, más bien de su mutación, éste advierte que su piel es un instante menos joven, de igual modo, su pensamiento ha crecido un instante… Lo que no queda, sigue su camino… como un fluido que recorre una superficie aleatoriamente pero de manera controlada por ese pensamiento que no se desvanece nunca y que permanece o no en el olvido. Es ahí donde esta obra encuentra su significado: de nuevo el tiempo. En la obra de Riera no busquemos discursos manieristas ni artificiosas catársis; busquemos un diálogo más perceptible, más cercano a nuestro ser consciente que la teoría del buen observador pueda sugerir en manuales estériles. Hay una naturaleza escasa pero fecunda, como la que se puede hayar en una gota de agua. No tratemos de descifrar mensajes escondidos porque su imagen devuelve un discurso tan perceptible como mirar el cielo nocturno y hacerse mil preguntas. El uso de pinturas diluidas deja marcado su recorrido natural fluyendo por la superficie del soporte, lo que resalta si cabe más su carácter efímero y confiere a la materia un aspecto frágil, como frágil es el ser. Una especie de sumi-e en colores que escapan por el líquido como lo hace el transcurrir de la existencia. En palabras del autor: aquello que no se adapta, es lo que permanece sólido en su afán de permanencia, frente al estado fluido de las cosas que presentan una mayor mutabilidad en su constante adaptación al progreso. La muestra se compone de varios acrílicos sobre tela y de una serie de dibujos realizados con grafito y rotuladores. Braulio Rodríguez

Rubén M. Riera, Valencia 1983._ Vive en Madrid. Es licenciado en Bellas Artes por la Facultad de Bellas Artes de Sant Carles, Universitat Politècnica de València (2004/09). Ha estado becado durante nueve meses en la École Nationale Superiéure des Beaux-Arts de Paris en 2006/07, así como en la Escuela de Artes Plásticas de la Universidad de Guanajuato, México desde enero a julio del 2009. Máster en medios de impresión gráfica y diseño RCM-UCLM 2011/2013 (Madrid). Su obra ha sido galardonada con el Premio Diputación Provincial de Ciudad Real en el XXXI Certamen Nacional de Pintura Ciudad de Manzanares, Premio Fundación Pilar Banús en los XX Premios Nacionales de Grabado. MGEC Marbella, así como Medalla de Honor en la XXVIII edición de los premios BMW de pintura…

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El último trabajo de Laura Delgado se mueve entre su propia iconografía, que oculta sólo aquello que el espectador no quiere o no llega a comprender. Este lenguaje, quizá criptográfico, es expresado a través de soportes tradicionales, pero no por ello menos sofisticados, para concluir en una expresividad de ruido sordo, tranquilo pero elocuente… El papel, como medio y como fin, es por sí mismo lo suficientemente expresivo y es el medio más cercano al espectador habitual. Con esta muestra, hemos querido hacer un poco de memoria y nada más. Laura estuvo dibujando en nuestro anterior local durante el verano pasado. Un grafito y un pedazo de papel es suficiente para expresar las marcas y las percepciones del pasado, impresas mediante la técnica del frottage. Dicho espacio disponía de amplias paredes donde los restos del pasado quedaron marcados sin que nadie se hubiera ocupado de atenderlos. _Afortunadamente, cuando encontramos el lugar y decidimos alquilarlo para comenzar nuestra anterior etapa, las obras apenas iban a comenzar y las paramos. El proceso se completaría con un precioso gotelé pintado de amarillo pálido en los paramentos y una preciosa tarima laminada sobre el pavimento… _Creo que entonces indultamos ambas superficies para que sirvieran dignamente a nuestro fin y lo hicimos sin pensarlo un solo momento. _Quién sabe el tiempo que les queda para su nueva transformación, desde que nos hemos ido._ Lo importante es que nos hemos traído a Pelayo, 68 su espíritu sobre el papel y esta gran ocurrencia de la artista es lo que más nos reconforta. No se trata de una documentación arqueológica sino de una reunificación cuasi sentimental que proporciona todo un argumento argumental a nuestra próxima exposición. Laura trabaja rápido, metodológicamente; almacena su experiencia como si de una arqueóloga se tratara; eso es lo que hizo en el anterior espacioBRUT. Su labor es la de una reportera del pasado invisible sobre las paredes, como manifiesta también en anteriores trabajos, donde subyace la historia contada de otra manera; unas veces más gráfica, otras mediante el vacío que separa las masas del carbono y siempre admitiendo los relieves que, sobre el papel, dejan huella las texturas. A veces marca los límites a cada realización, a cada encuentro con nuestros muebles, como si de otro límite o pared se trataran y quedan dibujados también sobre el papel como elementos geográficos, como hitos o mojones sobre un mapa real y consciente a escala real, a escala 1:1.

_Laura Pilar Delgado. Madrid, 1982. Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Máster en Producción Artística de la Universidad Politécnica de Valencia. A lo largo de su trayectoria ha recibido reconocimientos y apoyos como el Primer Premio de grabado en los Premios San Marcos (2011) y la Beca Pedro Marco (2012).

Bonsái

A la hora de celebrar cambios, y éstos son siempre a mejor si uno sabe mirar “palante”, hemos pensado en hacerlo con la exposición del mismo artista con quién iniciamos nuestra andadura hace casi tres años: Ignacio Chávarri. La obra de Iñaki, que ahora presentamos, forma parte también de su evolución y de una obsesión, quizá no resuelta, por el devenir del tiempo que se escapa como agua entre los dedos…, por lo efímero del presente, que ya es pretérito… El título “Bonsái” lo sugiere la obra del escritor chileno Alejandro Zambra que en su novela narra una serie de acontecimientos que, si no fuera porque los escribe, no tendrían ninguna trascendencia; "son cosas nimias, aparentemente poco importantes… Las piezas, de confeti, y aqui la afinidad con la novela, carecen de toda importancia cada una de ellas por separado hasta que decides prestarles un tiempo, una atención a cada una de ellas de manera individual. Por otro lado, el arte del bonsái, símbolo de la eternidad para los monjes taoístas, que se basa en la reduccción del tamaño de árboles y plantas, genera una relación directa con el proceso de producción de las piezas, aunque en la dirección contraria". Las obras que se podrán contemplar son de una factura casi perfecta. Formalmente no buscaremos un significado ajeno al de sus anteriores discursos relacionados con el confeti, pero conceptualmente ahora existe un punto de inflexión, casi imperceptible, que le arrastra inevitablemente hacia la madurez. El presente se ha hecho sólido, se ha concentrado en formas que perduran. El brillo de las superficies sugiere permanencia, solidez, pero también juventud y frescura. La diversidad de colores sugiere diferentes estados de ánimo, diferentes puntos de vista guiados por este talentoso joven y por su mirada incisiva pero al mismo tiempo humilde. Conocimos a Iñaki hace ya tres años y enseguida supimos que tenía talento, inteligencia y un innato impulso hacia la curiosidad que tanto nos interesa en los artistas y, en general, en las personas con quienes compartimos la belleza de esta experiencia y que nos acompañan en esta aventura. La muestra está formada por diez piezas de madera lacadas en varios colores haciendo referencia, con otra escala, a las piezas de confeti.

_Ignacio Chávarri. Madrid, 1982 es licenciado en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid habiendo sido becado su último año para estudiar en SAIC (the School of the Art Institute of Chicago) .

Pleamar

Con la marea alta los detalles quedan ocultos y las arenas de la playa se cubren hasta su parte más seca y brillante. Llegado este punto parece como si bajo esta incierta perfección subyaciera todo un mundo sin explorar, formado por vivencias pasadas, hechas de horas de sol, calma y gritos de niños moviendo las aguas… Todos tenemos historias de playas y éstas evocan veranos pasados. Perfecto para despedir una temporada que acaba durante el mes de agosto y que promete novedades a nuestra vuelta en septiembre. Raúl Lázaro es hábil, conciso y racional en sus composiciones, de un minimalismo donde sobran más elementos. Como él mismo dice, nació un día bisiesto y eso marca. Cree en las cosas pequeñas, hechas con tiempo y con paciencia, que desvelan un minucioso trabajo tras de sí cuando las observas. El proceso de reutilización de materias, hace que éstas cobren nueva vida y sean más elocuentes cuando se suman sobre el soporte. Sus tijeras, que también forman parte de su logo, son su lengua y su garganta. Su línea expresiva se basa, a menudo, en la coincidencia gráfica y en un surrealismo quizá algo brossiano. Por eso nos gusta su obra. Podremos ver una serie referida a la playa y otra de postales con un argumento completamnte distinto pero a la vez enriquecedor de su obra. Ahora, que los collages de Raúl nos dejen un buen sabor de boca antes de plantar de nuevo la sombrilla. Os esperamos. Braulio Rodríguez

Raúl Lázaro. Alicante, 1980. Estudió Arquitectura en Madrid pero actualmente desarrolla trabajos como artista visual y diseñador. Ha trabajado para medios impresos como Calle20, LeCool, Ling, Premium, Alpha Decay o Debolsillo. Ha publicado varios libros entre los que destacan Síndrome de Diógenes, Caligrafías (o cómo plegar una ciudad) o Equipaje de Mano y recibido varios premios y becas por sus trabajos. Su obra artística ha sido expuesta en numerosas exposiciones colectivas e individuales y colabora habitualmente en la Galería 6mas1 de Madrid.

These things take time

Antes de conocer personalmente a Rui _lo cual tal vez fuera una ventaja en este caso_ teníamos que referirnos a él por lo que entreveíamos en su obra. Teníamos que ser medianamente objetivos, aunque un san sebastián suyo, que compramos hace tiempo, se haya convertido en parte de nuestra rutina diaria, en parte de nuestra familia. Al carácter del trabajo de este artista, influido sin duda por el mundo clásico, del que extrae provechosas señales y quizá sensuales y heroicos anhelos, se añade cierto halo de ternura o de impúdica melancolía. Lo que más nos gusta de él es su lectura de lo cotidiano a través del sueño imposible de sus personajes, vehículo fundamental de su discurso figurativo. O un poco naïf o más realistas de lo que suponemos, son seres en busca de un argumento desconocido para nosotros pero hilado por ellos mismos con destreza. Narices como trompas, miradas al infinito, minuciosamente confeccionados para tocar según qué sensibilidades, como la nuestra… Pero estas cosas llevan su tiempo. Tenemos el placer de ofrecer a nuestros curiosos amigos y simpatizantes la obra de este artista de Oporto, de donde nos trae más de veinte trabajos entre los que figuran grabados, dibujos y pinturas para que disfrutemos de ellas en Madrid durante estas semanas. Venid y juzgad vosotros. Braulio Rodríguez

Rui Vitorino Santos, nacido en Batalha en 1971, vive y trabaja en Oporto (Portugal). Enseña diseño gráfico e ilustración en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Oporto. Es miembro fundador y curator de la Galería Dama Aflita desde 2008. Participa regularmente en exposiciones individuales y colectivas. “Pero sobre todo me gusta dibujar y trabajar en la narración visual”.

Dormir con…

La serie se exhibió por primera vez durante el Noviembre Fotográfico en la Fototeca de Cuba, con un gran éxito de crítica y público. Los espacios cerrados contrastan grandemente con la vida de las calles de la ciudad… o al menos aparentemente. Porque la soledad de estos espacios, usados para el descanso, el placer, el nacimiento o la muerte deja patente el sonido casi ahogado de varias generaciones de vivencias y ausencias, de ruidos del exterior, de la vecindad, del olor a lluvia… Los artistas entraron en cientos de hogares que la generosidad de los cubanos aceptaron con orgullo y alegría. El resultado de su selección es un placer de detalles, de contrastes, de pensar que da igual de qué tipo de dormitorio se trate, si es de catre o de pasada alta cuna… espacioBRUT, en colaboración con Mondo Galería, se complace en mostrar durante unas semanas una muestra de seis fotografías que utilizan de forma creativa la técnica HDR, impresas como copias cromogénicas en ediciones limitadas. Braulio Rodríguez

Enrique Rottenberg. Cineasta, graduado de la prestigiosa escuela Cámara Oscura de Tel Aviv. Productor, guionista y director de siete largometrajes, seis de los cuales recibieron el Premio de la Academia Israelí de Cine. Autor de la novela en español La mujer de su vida, editada por Quarto, España. Vive y trabaja en Cuba, donde comenzó su obra fotográfica. Carlos Otero Blanco. Especialista nacional de fotografía Subacuática. Participó como fotógrafo del equipo cubano en el 10º Campeonato Mundial de Fotografía Subacuática L'Estartit, España 2005. Gran Premio del 4to Festival internacional Imagen de la Naturaleza, Rosa Elena Simeón in Memorian, 2007. Primer Lugar Nacional de fotografía subacuática Fotosub Cuba 2008 y 2009. Primer lugar Fotosub Varadero 2008. Segundo Lugar de fotografía en el 5to Festival Internacional imagen de la naturaleza Rosa Elena Simeón in Memoriam 2009. Primer Lugar categoría Ambiente con Modelo Fotosub Internacional Colony 2010.

PINTURA ENTRE BASTIDORES (INÉDITOS)

El talento consiste a menudo en la originalidad y en el ingenio. El genio, si lo hay, y aqui lo hay, viene de la mano. La experimentación con los materiales que constituyen la obra es terreno poco frecuentado por el artista, más preocupado en su naturaleza útil que en lo que pueda aportar por sí mismo, casi como un objet trouvé. Martins explora nuevas relaciones entre el soporte, la pintura y el dibujo a partir del proceso y la búsqueda de un discurso apacible y lleno de significados. Emplea frecuentemente materiales básicos como el bastidor, la materia pintura y otros medios de tradición pictórica llevándolos al límite de su uso. El resultado es una deconstrucción del espacio clásico del cuadro para convertirse en objetos autónomos, que hablan principalmente de las cualidades físicas de la materia con la que están constituidos. Es decir, se establece un diálogo entre distintas realidades formales y un solo organismo que habla el mismo idioma y que confluye en una obra con identidad y sentido. Las piezas, de madera principalmente, se disponen sin arbitrariedad sobre las paredes; nada está dejado al azar. Parece como si Miguel dispusiera cada pieza siguiendo un orden pactado… Y lo mismo acontece en los papeles, como mapas exactos de un lugar remoto pero cercano en cada mirada, en cada ocasión; donde esos mismos objetos dejan su impronta sobre el papel, ocupando lo justo… Se dejan leer como un conjunto atado entre sí por medio de hilos invisibles, a través de una sensibilidad poco frecuente, aparentemente distante, pero muy próxima a la lectura poética. La exposición se compone de diversas piezas colgadas sobre la pared formando o no grupos e integrándose en ella como si estuviera predestinada a albergarlas. Además, varios dibujos sobre papel componen este discurso no disperso sino perfectamente articulado con los objetos en tres dimensiones, lo que a su vez le confiere un carácter instalativo de gran capacidad expresiva. Braulio Rodríguez

Miguel Ângelo Martins, Funchal (Portugal) 1976. Vive y trabaja en Madrid. Licenciado en Bellas Artes y Máster en Producción Artística por la Universidad Politécnica de Valencia. Sus últimas exposiciones individuales tuvieron lugar Forte de Nossa Senhora do Amparo (Machico, Isla de Madeira, 2012) y Galería Alejandro Bataller (Valencia, 2012). Colectivas: Museo Barjola (Gijón, 2012), Galería Madame La Marquise (Barcelona, 2012), Museo de Arte Contemporáneo de Funchal (Isla de Madeira, 2012), Galeria Brita Prinz Arte (Madrid, 2012), Feria Arts Libris (Barcelona, 2012), Feria Masquelibros (Madrid, 2012), IKAS ART (Bilbao, 2010) y Kabinett der abstrakten, Sala La Perrera, comisariado por Ricardo Forriols (Valencia, 2010).

RUIDO II

El ruido lo producen sus seres, quizá partes divisibles de su alter ego. La introspección al mundo de Davis la proyectan miles de arañazos, manchas y golpes gestuales que introducen al espectador en una maraña de aspectos brutales y a la vez humanos. Su recurso semiótico no carece de señales visuales directas ni se evade de alfabetos sensuales. Es un discurso manifiestamente terrenal, presidido por un gran retrato en colores que parece dar la pauta a las figuras en negro que le siguen en la muestra, de diversos tamaños y formas eleboradas con diversas técnicas. El papel como soporte de cada obra subraya su carácter de historia abierta e infinita en cuanto a su argumento y no delimitada en cuanto a su independencia del resto. A quién es capaz de conquistar con su mensaje también es capaz de devolverle a la realidad de un arte ya inventado, pero no por ello pleno de mensajes inquietantes.

Juan Carlos López Davis. Lorca, 1982. Licenciado en Bellas Artes por la facultad de San Carlos de la Universidad Politécnica de Valencia. Ha participado en numerosos certámenes y exposiciones. Reparte su tiempo de trabajo e investigación entre Alemania y España, estando su obra repartida en diferentes colecciones privadas de Berlín, Londres, Madrid o París entre otras.

Exactitud sentimental

Quizá las nubes recorran cielos protectores; es posible que el imaginario redescubra paisajes inexistentes, profusamente poblados de tormentas de hielo y lluvia fría de páginas aún por leer… Este universo colorista, a primera vista desarticulado, pero calculadamente equilibrado, contiene todo un lenguaje gestual, preciso, lacónico y profundo. Pareciera que Job encuadrara pedazos de nebulosas y las atrapara en la tela en instantes precisos, como si de ventanas se tratara. El título, originario de los Apuntes sobre la realidad y el deseo cernudianos compromete directamente al artista sobre el lienzo; gestos que constituyen un lenguaje propio y expresivo. Un joven motherwell colorista…? Quizá sencillamente un joven inventor…? Nos alegra haber arrancado del autor parte de su trayectoria para exhibirla en nuestro espacio. Esperamos compartir este deseo con nuestros amigos. El arte sigue haciendo la vida más fácil a quien nada tiene y a quien tiene de todo. Sólo les une la curiosidad… y tal vez el deseo. Se trata de quince obras de diferentes formatos que van desde el 24x19 cm al 130x162 cm. Su técnica: acrílico sobre lienzo, alguna mixta (collage, grafito o cera).

Job Sánchez (Ares, A Coruña 1979) es licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Salamanca y Máster en Género y Diversidad por la Universidad de Oviedo. Su trabajo se centra en la pintura y parte de la experiencia personal para llevarla a un campo más global, reclamando una actividad del público que se aleja de lo interactivo para situarse próxima a prácticas más sutiles y pausadas. Compagina la investigación plástica con la docencia y la ilustración. Asimismo, es colaborador habitual de la revista Arte y Parte especializada en arte contemporáneo. Ha participado en diversos certámenes y exposiciones como Balconadas de Betanzos, Justmad3, con la galería Adriana Suárez, galería Sargadelos…

mística doméstica

La fotografía de Arriaza, Palma de Mallorca, 1986, es un vistazo en profundidad, un retrato sin retrato, es decir, individualidades inmersas en su entorno. Su obra representa la contradictoria permanencia de lo efímero, de lo que dura un disparo ya olvidado. Miradas en blanco y negro donde los colores no se evocan, igual que las palabras. Cada fotografía es un pequeño manifiesto sin discursos superfluos ni adicionales, una lectura horizontal de la naturaleza de lo cotidiano. Se trata de un recorrido por diferentes estados y vivencias captado desde cualquier ángulo; todas sugerentes y desprovistas de intención de captura, pero certeras en su interpretación final. La exposición recoge la obra reciente, y no tanto, de este fotógrafo autodidacta que se desplaza siempre cámara en ristre, vaya donde vaya… La muestra, que cierra la temporada antes del verano en espacioBRUT, consiste en una docena de fotografías en blanco y negro, en dos tamaños diferentes y en series de 3 ejemplares cada una, con procesado e impresión analógica sobre papel lustre.

DELIKATESSEN

En espacioBRUT cambiamos continuamente de soporte artístico. Ahora nos apetece además, hacerlo a tres dimensiones. Para esta vez tenemos preparada una gran sorpresa visual. Alfonso Ruiz Felipe nos prometió delicias turcas y aquí están! Una explosión de color y formas orgánicas ha brotado de nuestras paredes. Son piezas elaboradas con arcilla esmaltada que parecen reventar de dentro afuera como golpes de brocha con mezclas de pigmentos. Ruíz Felipe, con base en Estambul, ha viajado hasta Madrid con sus delicadas piezas bajo sus rodillas en el avión… y aquí están: cada una diferente y única, con una expresividad semejante a la de la propia naturaleza.

Alfonso Ruíz Felipe. Valdepeñas, 1969. Es licenciado en Filología Semítica y su actividad se centra en la docencia en el Instituto Cervantes de Estambul, ciudad en la que reside actualmente tras su paso por paises como Egipto, Líbano, Siria y Jordania. Su formación especializada en cerámica se la debe a la Madrasa Yafer Aga donde sigue cursando.

a MESa PUESTa

Kaj Franck. 1911-1989.El diseñador finlandés, espíritu del Design Prize que lleva su nombre y que cada año otorga el Design Forum Finland, continúa presente en nuestra vida diaria. Objeto de uso cotidiano como la vajilla Teema, producida desde 1952 por Iittala, permanece actual año a año con el cambio de colores como única decoración. Con motivo del 60 cumpleaños de la mítica vajilla, espacioBRUT e Iittala quieren rendir homenaje a un diseñador poco conocido en nuestras latitudes. Para ello, hemos pedido a varios artistas, que han expuesto en nuestro espacio anteriormente, que intervengan platos grandes de esta vajilla como soporte: el tema es libre!
PATROCINADO POR ITALCRIS

BLANCA NIETO, BONUS EXTRA, DANI RODRÍGUEZ, IÑAKI CHÁVARRI, RAÚL BARRIO, GAVINA LIGAS, RUBÉN B, ALBERTO ACINAS Y BRAULIO RODRÍGUEZ

L'atelier #1

espacioBRUT lleva recorrido un camino de más de dos años desde que se inventó. Durante este tiempo y gracias al aprecio de numerosos ciudadanos que valoran el trabajo de los creadores y que son curiosos tan solo por acercarse a nuestro espacio, hemos aprendido de ellos nosotros también y hemos hecho nuestra esa satisfacción. En nuestra modesta faceta como galeristas no nos desalentamos en tiempos como estos y erre que erre no dudamos en divulgar la obra de artistas que para nosotros son especiales. Especiales porque nos regalan sin querer trozos de felicidad y, si no, para qué sirve el arte… éste, que definía Malraux como una rebelión contra el destino, nosotros lo confirmamos con nuestra tozudez. En esta ocasión, y como siempre, hemos rendido homenaje, a los creadores que nos han precedido en campos tan diversos como la arquitectura, la pintura, la música. Para ello, hemos montado un pequeño mercadillo de obras de artistas como Palazuelo, Le Corbusier, Pacanowska, Cocteau, etc, que nos dan pie al argumento del taller del artista al hilo estético y espiritual que conforma nuestro espacio. Lejos de sentirnos bohemios, ¡qué más quisiéramos! nos sentimos al menos satisfechos de compartir con vosotros la belleza de estas obras. L’atelier#1 será el primero, esperemos que de muchos más que, de forma aleatoria, se montarán en espacioBRUT.

BAHÍA BANDERAS

Alberto Acinas y sus inquietudes, lógicas desde su visión como artista, le han llevado al cambio de escenario y de actividad en varias ocasiones. De su paso por Madrid tras concluir sus estudios de Bellas Artes, queda su extensa obra, un tanto primitivista quizá, pero fundada sobre la experiencia del recurso urbano del recién llegado. Época mística según sus propias palabras, pero llena de recursos terrenales y quizá premonitorios de lo que será su estancia actual en la selva mejicana. Su paso por Berlín, cargado de alusiones a la espesa vegetación del trópico fue su segundo acto, antecedente inconsciente del hallazgo de las selvas del sur y el este de Méjico. Es aquí donde muestra su último hallazgo creativo. Primero en la ciudad y después en la selva. México DF, su gentío, su ruido y su popular niebla contaminada parecen a ojos de Acinas como actores indispensables y dignos de un paisaje mordido por las siluetas de los tinacos (depósitos de agua) sobre los tejados. En DF se involucra y su pintura es testigo de la alta concentración de estímulos que recibe… Igual que dignifica el hecho humano de la gran aglomeración, hace lo propio con el bosque tropical de Chiapas o Nayarit, estados donde concentra su actividad más naturalista y a la vez salvaje. Pinta mujeres aborígenes, plantas carnívoras, insectos, en fin, todo aquello susceptible de ser rechazado por una civilización que le debe mucho a las raíces certeras de lo más telúrico y escaso que nos queda. Ahora le toca el turno a la exploración de sus últimos trabajos aquí, antes de comenzar una nueva experiencia mejicana. La muestra se compone de media docena de telas sin enmarcar, y una selección de papeles con cristal. Su técnica, el óleo transfiere al soporte un halo graso que imprime un carácter coherente con el discurso buscado.

Alberto Acinas. Palencia, 1977. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Cuenca. Ha vivido y trabajado en Madrid y Berlín. Actualmente produce en Méjico, país donde lleva trabajando casi un año y al que regresará al término de esta exposición. Al reto de la pintura añade su labor divulgadora de la música mediante conciertos por diversas ciudades españolas y mejicanas.

BRUTO

espacioBRUT expone esta vez la obra de un consagrado en el panorama creativo de nuestra ciudad. Nuestra vocación investigadora agradece, de cuando en cuando, el sosegado encuentro con artistas con trayectoria. La obra de Rubén B, de elaboración minuciosa, se aborda desde la convivencia de la expresión salvaje de la tierra con el arte más urbano. El collage, depurado hasta conseguir un resultado donde pocas palabras explican mucho, sucumbe ante un surrealismo meditado y quizá contradictoriamente descriptivo de la realidad del mundo contemporáneo. El significante casi “marxernstiano” de la obra de Rubén B deviene en significado poético pero prosaico a la vez. Como campo de expresión, su soporte clásico color crema es su firma la mayor parte de las veces y a la vez propio paisaje interior sobre el que tienen lugar sus batallas expresivas. Utiliza el collage por su inmediatez como modo de composición de historias; huyendo de materiales antiguos construye sus piezas con revistas de actualidad, lo cual le dota de un cuasi realismo entendible desde nuestra perspectiva de seres modernos y urbanos… La MARATHON BRUTO, elaboración espontánea de 200 tarjetas surge motu proprio como afirmación de su paso por nuestro espacio. Braulio Rodríguez, espacioBRUT

RUBÉN B. Bilbao,1975 Amateur profesional. Apicultor y creativo. Trabaja con abejas, collage, palabras, gráfica y libros. (Ha sido arquitecto, aparejador y profesor). Ha comisariado exposiciones y festivales de ilustración en Madrid, Barcelona, Bilbao y Rotterdam. Es comisario de Weird International Collage Show. Sus trabajos han sido expuestos en galerías de Madrid, Barcelona, Bilbao, Zaragoza, Miami, Cork, Berlin y Rotterdam y ha publicado en revistas internacionales además de en varios recopilatorios de la editorial Gestalten.

coloryvida

Aviones de papel desde los que se divisan campos de arroz y trigo, ciudades de calles coloristas, ríos y lagos amarillos… Veinte años de camino recorrido visto desde un universo rico en descubrimientos, colores y formas. Gavina opone su mirada a la decepción de un mundo actual quizás en blanco y negro. El dominio de la composición textil y el uso del color de un modo casi fauve, desde la utilización anárquica de su “anti-técnica”, como ella ha definido, son claves a la hora de intentar describir un trabajo inusual y exquisito. Su obra tan dispersa en cuanto a soportes y técnicas se opone a la del autor organizado con tanta anarquía, que ello mismo casi supone un dominio de su propia organización. Hemos querido invitar a esta ilustradora, pintora, compositora textil… a nuestro espacio con la intención de enseñar con gran placer y orgullo una muestra poco frecuente. Aparte de su obra sobre papel, se mueve indiscriminadamente sobre cualquier soporte que pueda caer en sus manos: ahora una hoja de papel de seda, luego una hojita de cuaderno o un pedazo de cartulina o de tela. La línea más tridimensional, como paisajes vistos desde el aire, la refleja con sus quilts, parte esencial de esta exposición con la que espacioBRUT quiere rendir un homenaje a la alegría de vivir. Además de los quilts, que se exhibirán colgados a modo de banderas, se expondrán varias series de dibujos de diferentes formatos y soportes y alguna sorpresa más…
Braulio Rodríguez, espacioBRUT

_Gavina Ligas. Turín, Italia. Ha trabajado como responsable de la creación y desarrollo del concepto creativo de la marca JOCOMOMOLA de SYBILLA, diseñando todas las lÌneas de productos, realizando los motivos, el colorido y los estampados que han hecho tan personal y reconocible esta marca. Paralelamente colabora en la ilustración de varias revistas de moda como YO DONA (España), CARACTERS (España), ELLE (España), SOEN (Japón), SPRING (Japón), y MIA (Portugal). También es directora creativa del sello discográfico HITOP RECORDS y ha realizado varias exposiciones. Actualmente colabora con diferentes profesionales como Sybilla en su nuevo proyecto “Fabrics for Freedom”.

Serendipia

Comenzar una nueva temporada es difícil tras un largo verano. Más meritorio es si además se ha trabajado durante éste para "abrir fuego" llegado septiembre. Nos complace presentar a un "nuevo artista". Nuevo sólo para nuestros ojos porque lleva muchos años pintando. Sin embargo hay algo en su obra que le hace renovarse cada vez que se enfrenta a sus papeles y les imprime su sello visionario, de una realidad escondida o abstracta, pero visible para los espíritus libres.
Su investigación sobre el color y las texturas lo definen miles de salpicaduras, a veces y trazos muy delimitados y rotundos, otras. Brillos solares, reflejos marinos, seres de la naturaleza que ha recogido desde su interior, tras su recientes estancias en el Algarve y el Alentejo portugueses. Esa especie de primitivismo, casi en estado puro, sin embargo, merece ser comprendido desde la calma y la reflexión.
Además de los papeles de algodón, el pintor se adentra en la experimentación sobre soportes nuevos como es el caso de los post-it, donde nos muestra un mundo completamente diferente al anterior, lleno de criaturas y seres producto de una imaginación en un mundo casi onírico y enriquecido por naturalezas irrepetibles y fantásticas.
En cuanto a la técnica, Raúl es un verdadero alquimista. Utiliza a menudo pigmentos fabricados por él a los que añade tierras naturales, sintéticos, emulsiones con diversos medios acrílicos, dispersiones acrílicas o a la caseína, pasteles grasos o solubles al agua, gel de sílice… Todos los soportes son papeles de calidad como Arches o Winsor & Newton o incluso artesanos, hechos a mano.
La muestra la compone más de una docena de pinturas a las que hay que añadir las pequeñas composiciones sobre post-it, dibujadas con rotuladores opacos, muestra del último trabajo del autor.
Braulio Rodríguez, espacioBRUT

_Raúl Barrio Rotard. Madrid. 1966. Pintor y fotógrafo de formación autodidacta. Ha sido seleccionado, finalista y galardonado en diversos certámenes de diversas ciudades, destacando las de Madrid y Sevilla en su trayectoria, siendo especial en ella el Premio nacional de Pintura Focus Abengoa. Sevilla 1993.

Retratos del olvido

El soporte sobre el que se mueve María Latova es su medio de expresión hacia un lenguaje que transmite emoción sin palabras, sin descripciones superfluas ni pistas fáciles. Las imágenes, no obstante, muestran la vida más allá del calor que desprende el ser humano en su hábitat.
Retratos inquietantes y tranquilos a la vez. Espacios vacíos, pero a la vez plenos de diálogos, gritos o susurros: ecos del pasado grabados entre sus paredes.
Son ámbitos abandonados a su suerte, dejados, con algœn rastro de olvidos y recuerdos; señas de existencias que tal vez no volverán, "...esperando un futuro mejor o quizás la ruina", en palabras de la autora.
Pero hay en ellos un halo vital que subyace, que se desprende de la iluminación, de los objetos decorativos, del uso de la perspectiva central... Algo similar nos retrotrae a los fotogramas de las películas de Kubrick.
En nuestra memoria, también el recuerdo de las páginas de la extinta Nest, cuyo nœmero unos pocos esperábamos con impaciencia cada trimestre, y su realismo, patético a menudo, pero profundamente descriptivo y real como esta serie de imágenes que se expone antes del verano en espacioBRUT.
Se trata de cerca de una veintena de fotografías en color, de 50x50 cm, impresas sobre papel HP, en series de 5 ejemplares cada una.
Braulio Rodríguez, espacioBRUT

_María Latova. Madrid. 1982. Estudió Fotografía en la Escuela EFTI de Madrid. Actualmente trabaja en un estudio de fotografía dedicado a arquitectura, arqueología y documentación de Patrimonio. Ha participado en varias publicaciones dedicadas a esos campos.
Además, pertenece al colectivo de arte urbano Neighborhood Watch.

URBE

La ciudad, su complejidad, su textura, su superficie, constituye un manto repleto de accidentes geográficos. Igual que el campo. Pero la ciudad reproduce a su manera lo que ocurre en plena naturaleza. Lo transforma según la lente de cada uno de los miles de observadores que, sin darse cuenta, son sus autores y sus mentores a la vez.
En palabras de Aldo Rossi, el espacio humano no es un contenedor sin significado, sino que existe una estrecha vinculación entre éste y los comportamientos tanto individuales como colectivos. El espacio se define en relación a los seres humanos que lo usan, lo disfrutan, lo recorren y lo dominan.
Es en el aumento de la escala física donde descubre Ruiz Galán el secreto de su investigación, el detalle, el encuadre que nadie más percibe.
Este diseñador madrileño se ha ido abriendo camino entre el grupo de jóvenes talentos que viven en esta ciudad de todos, la aprovechan, la asimilan y la aman. Se trata de un homenaje de quienes respetan y se enorgullecen del lugar donde viven. Valga esto para llevar impreso un trocito de nuestra urbe: Madrid.
La muestra la componen varios modelos alternados durante el tiempo de la exposición y diversos patrones impresos a escala reducida, en papel, donde quedan patentes las distintas localizaciones urbanas..
Braulio Rodríguez, espacioBRUT

_Hace pocos años que completó sus estudios de diseño de moda y sastrería, esto último fundamental en el resultado de su trabajo. Sus proyectos y trabajos han sido mostrados en espacios como: Museo del Traje, Matadero, Showroom El Ego de Cibeles, Casa de América (Madrid) y Creamoda (Bilbao) donde ha ganado el primer premio 2011 en la categoría de moda masculina. Sus inquietudes artísticas le han llevado a colaborar con creadores de diferentes disciplinas y a elaborar proyectos multidisciplinares donde convergen indumentaria, fotografía, vídeo, música...

Celebration

espacioBRUT estrena local. Después de un año de apoyo a jóvenes artistas, nuestra división dedicada al arte quiere celebrar con todos vosotros una trayectoria lenta pero segura, dedicada a la divulgación de jóvenes talentos, a veces inéditos y sin duda siempre interesantes. Celebration! es el epígrafe con el que queremos nombrar esta nueva etapa. Para ello, hemos convocado a este joven artista madrileño. Queremos que Iñaki llene nuestras paredes de talento y lenguaje colorista. Sus soportes son tan variados como su línea expresiva. El resultado es un excelente proceso creativo en el que tiene cabida desde la fotografía procesada hasta el dibujo, pasando por la impresión producida por el confeti húmedo sobre papel. La esencia queda remarcada por el gran mural tridimensional, instalación que subraya el título de la muestra y con el que celebramos nuestra nueva andadura.
Braulio Rodríguez, espacioBRUT

_Ignacio Chávarri. Madrid, 1982 Es licenciado en Bellas Artes, en 2005 le otorgaron una beca de intercambio con SAIC (the School of the Art Institute of Chicago, por la UCM). Ha sido becado en otras ocasiones y ha realizado numerosos talleres y exposiciones en distintas ciudades españolas así como en Finlandia, Japón, Estados Unidos o Alemania. Entre sus individuales destacan "Meille vai teille//En tu casa o en la mía” (Instituto Iberoamericano de Finlandia, Madrid, 2011), "Heroismen" (Neon Chocolate Gallery, Berlín, 2011), “Presupuesto: 6 euros: Prácticas artísticas y precariedad” (Off Limits, Madrid, 2010) o "Longitudes de Onda" (Espacio OTR, Madrid) .

Finis Terrae

Sumerjámonos en un universo íntimista e introspectivo. A veces nihilista, otras perverso, pero que siempre conserva el halo necesario de la comunicación con el espectador por la generosidad del artista. Cualquier referencia en su obra a un motivo formal, reiterado como un mantra, nos remitiría directamente a Dani y su mundo. Ni paisajes sangrientos, ni personajes macabros; profundizando, llegaremos a la orilla de un mundo que no fue, pero que será nunca… Quizá nos adentremos en una evasión hacia el final de lo conocido, al finis terrae de su experiencia y sus anhelos. La muestra recoge toda la información necesaria, no para no constituir ningún relato, ni ninguna compleja historia, sino una serie bien hilada desde la mirada del subconsciente. Que cada cual haga su propia lectura. La exposición se constituye por una docena larga de ilustraciones sobre papel, compuestas de diversas técnicas gráficas, desde el collage a la calcografía tipográfica.
Braulio Rodríguez, espacioBRUT

_Daniel Rodríguez. Valdeorras, Ourense. 1970.

A cada uno el suyo

Es posible concebir un mundo (submundo) que va más allá de la expresión gráfica y de la lectura subjetiva de una obra. El arte debe desprenderse de los prejuicios en su lectura, sólo así, se alcanza su verdadera libertad como fin. Una mirada desde un agujero en la pared, hacia un mundo interior, quizá cruel, pero tierno, quizá sórdido, pero sincero… Personajes imaginados, pero no desconocidos, construidos desde la percepción de la soledad del ser humano. Más de una docena de “retratos” sobre papel y dos esculturas definen la muestra. A través de ésta, espacioBRUT cierra un año de exposiciones dedicado a artistas jóvenes y a miradas diferentes de la belleza. Braulio Rodríguez, espacioBRUT

Juan Bayón. Madrid, 1968 Autodidacta de formación, las ciudades de Londres y Ámsterdam (1992-1996) fueron las primeras en ver sus trabajos como diseñador de decorados y creador de espectáculos, para recalar en Madrid, donde realiza cursos de Técnico en Soldadura, lo que le permite su incursión en el mundo de la escultura. Gran parte de su trabajo se encuentra en colecciones particulares, habiendo realizado exposiciones en La Capilla del Oidor (Alcalá de Henares), Espacio Consentido y Kikekeller (Madrid).

talismanes nómadas: khorjin y chanteh

Hasta dónde llega el refinamiento de quien los posee y hasta dónde la admiración por quien los entiende… espacioBRUT ofrece, por primera vez, un breve pero esclarecedor recorrido por un mundo de colores y geometrías, inventado por tribus que no saben de frenéticas huidas urbanas, ni entienden de occidentales ajetreos. Braulio Rodríguez. espacioBRUT

Símbolos del estatus, poder y elegancia del jinete que los exhibe, y también de su pertenencia a tal o cual grupo tribal, los khorjines (alforjas) y chantehs (pequeñas bolsas) expresan sobre todo el virtuosismo artístico y estético, y la pericia artesanal de la mujer que los crea. Los primeros (khorjines) se llevan en las grupas de los caballos y asnos. Sirven para transportar desde ropa o comida hasta pequeños utensilios y cacharros. También se utilizan para atesorar las compras diarias en zocos y caravanserrallos. Los segundos (chantehs), más íntimos y personales, se colocan sobre los hombros masculinos a modo de zurrón o en bandolera, y en origen, durante las migraciones, se guardaban dentro de cofres y pequeños arcones cobijando en su interior las posesiones más preciadas: dinero, espejos, joyas y el Corán, libro imprescindible en las sociedades trashumantes de Asia Central. Esta docena larga de khorjines y chantehs, fechados entre 1900-1930, constituyen pequeñas obras de arte tejidas que reflejan el carácter refinado y suntuario de los principales grupos tribales afganos _Uzbeko, Tatari, Maimana, Hazara, etc._ y del Sur de Irán _Luri, Qashqa’i, Baluch, etc._. Todos son talismanes que en Occidente sirven para decorar y evocar una imaginaria Ruta de la Seda. José Luis Herrero. Estudio-H, Textil Tribal & Decoración.

Les marches vivants

En espacioBRUT nos apetecía exhibir, para empezar este otoño, una muestra de espacios presididos por la obra de Blanca Nieto y Bonus Extra. Hemos colgado de nuestras paredes platos, dibujos, planos, más muebles, aviones y personajes que conviven en las entrañas del pensamiento de cada uno de ellos y de nosotros. La obra de Blanca es la del pensamiento algo naïf y sin embargo, intensamente madurado, de la imposible realidad del mundo de los sueños. Escalones vivientes, como reza el título, que nos guían hasta lo más alto de la torre del castillo, que traspasa las nubes del pensamiento. Braulio Rodríguez. espacioBRUT

Blanca Nieto. Gijón, 1981. Desarrolla actualmente su trabajo en Madrid, llevando a cabo proyectos personales, y colectivos como miembro de Bonus-Extra. Ha expuesto su obra en LA CASA ENCENDIDA, Madrid, FONDATION CARTIER POUR L’ART CONTEMPORAIN, París, CÍRCULO DE BELLAS ARTES, Madrid, MUSEO DO CHIADO, Coimbra, PALACIO REVILLAGIGEDO, Gijón, GALERÍA ESPACIO LÍQUIDO ,Gijón, ARCO’08, Madrid y ESTAMPA 2005, Madrid. Bonus-Extra son Alicia Guirao, Blanca Nieto, Alfonso Reverón, Paco Vallejo y Viki Carranza. Han participado con trabajos de videocreación en OPTICA FESTIVAL 2009 (Buenos Aires, París, Málaga, Madrid, Gijón), 45ª y 46ª Edición del FESTIVAL INTERNACIONAL DE CINE DE GIJÓN, ANIMABASAURI, Basauri. Han expuesto en Madrid en ESPACIO F, STUDIO BANANA, STUDIO BARFUTURA y ROJO MÁQUINA. Han editado su primer libro ilustrado “LOLA Y PÍXEL”. Han realizado proyecciones de teatro para “GLORIOUS” producida por NEARCO PRODUCCIONES y dirigida por YLLANA. Distribuye tanto sus producciones personales como del colectivo Bonus-Extra en LA CENTRAL del MNCARS y LABSHOP (Laboral Centro de Arte, Gijón).

trazos texturas

Polifacético en su trayectoria profesional, en ámbitos como el diseño gráfico, la fotografía y los audiovisuales, Juan Plaza nos presenta un interesante mundo de formas, concebidas desde la fotografía y transfiguradas digitalmente. Su interés consciente en el tratamiento del color desde la abstracción, deviene en el juego inconsciente de la mente del espectador a la búsqueda de nuevos significados individuales y plenamente subjetivos. El soporte en papel mate no ralentiza la fuerza expresiva, la suaviza y la potencia. Braulio Rodríguez. espacioBRUT

Juan Plaza. Villanueva de la Serena. 1972. Licenciado en Comunicación Audiovisual por la Complutense.

La búsqueda

Conocí a Ricardo recientemente, no a través de la charla, sino de la observación de su obra. Sus fotos dialogan con nuestro espíritu y nos devuelven una respuesta del mismo modo que cuando atrapamos con las dos manos una pelota tras rebotar contra la pared. Los paisajes, subjetivos, están llenos de historias secretas, desveladas tras una intensa ojeada. Los retratos íntimos son instantes, efímeros pero gráficos, como el humo del cigarrillo. Veremos el lado más íntimo de un viaje introspectivo, reflexivo y cosmopolita, a través del paisaje y del paisanaje japonés. Braulio Rodríguez. espacioBRUT

Estas fotos son pedazos de mi vida, retales de mi memoria, trozos de una búsqueda incompleta... Son una representación de mi vida utilizando la cámara como herramienta de búsqueda; busco respuestas, busco lo oculto, busco el sabor de la verdad cuando es amargo y cuando es dulce, busco el amor, busco mi otra mitad, busco con los ojos bien abiertos y con los ojos bien cerrados, busco divertirme, busco la luz cuando estoy entre las sombras y la sombra cuando estoy en la luz, entonces disparo. Busco en mis amigos, lo que llevan dentro y lo que llevo dentro, busco decir la verdad, pero no toda la verdad y nada más que mi verdad. Deliberadamente subjetivo. Atento al corazón disparo mi cámara y paso película. Una vez que creo encontrar, disparo fuertemente y la foto queda grabada en mi memoria. Pasado el tiempo y macerada la imagen latente, revelo la película y busco esa foto que recuerdo entre los negativos. Generalmente no encuentro nada, pero a veces, encuentro esa foto que recuerdo y paso a positivarla. Hasta que la imagen no se forma en el papel no puedo saber con seguridad si he encontrado algo... incluso a veces es necesario mostrar las fotos a otros, para averiguar si ven lo que yo vi. Todas estas fotos no surgen de una sesuda meditación, todo lo contrario, surgen de manera instintiva. Estas fotos no nacen de querer realizar un concepto o una idea, son estados anímicos que plantean preguntas y sugieren respuestas. Mis fotos no forman parte de un proyecto o un trabajo, son trozos de mi vida, que solo adquieren significado con el paso del tiempo. Ricardo Garrido Robles